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Visuales y Artes Aplicadas

Los africanos en los Estados Unidos y sus descendientes han estado haciendo objetos y la creación de obras de arte desde los primeros africanos llegaron contratados en el continente de América del Norte en 1619. artistas negros en los Estados Unidos han creado una tradición visual extraordinaria y distintiva a pesar de la situación social, política , y las probabilidades culturales que enfrentan. Algunos son esas figuras históricas bien conocidas como Henry Ossawa Tanner, Jacob Lawrence, Elizabeth Catlett, Romare Bearden, Faith Ringgold, y Martin Puryear. Otros, incluyendo Escipión Moorehead, María Edmonia Lewis, James Presley bola, Robert Duncanson, y Meta Warrick Fuller sólo son familiares para los especialistas en arte. Aún así, muchas más artistas y sus obras han sido registradas o poco conocida a pesar de que contribuye a rico legado visual de Estados Unidos. Ya sea formalmente entrenados o autodidactas, la elaboración de objetos para su uso personal, cumpliendo encargos públicos y privados, artistas y artesanos americanos africanos han trabajado en una amplia gama de medios de comunicación y estilos de expresarse estéticamente.

Arte producido por artistas afroamericanos lo largo de los siglos incluye dibujos, diseños, pinturas, esculturas, tallas, cerámica, arquitectura, fotografías, grabados, dibujos animados, gráficos de ordenador, páginas web, muebles, ropa, joyas, utensilios, instalaciones innumerables sitios específicos, piezas de rendimiento, y el cine independiente. En todas sus variantes, arte apela afroamericanos a la sensibilidad estética, inspira confianza, crea conciencia, y los desafíos de larga data Supuestos y convenciones de representación de la cultura dominante. De este modo, el arte africano americano se coloca como uno de los órganos más importantes de las obras de creación que configuran la cultura estética, intelectual y visual en todo el mundo.

grupos culturales, reinos y estados-nación tenían diferentes niveles de logro social, política y económica.

Dentro de cada uno de estos grupos étnicos, había un lenguaje común, la cosmología, las prácticas espirituales, y la historia político-económica que dio forma a las prácticas del arte de decisiones relacionadas. En consecuencia, una amplia legado artístico surgido en todo el continente africano, con cada sociedad el desarrollo de sus propias tradiciones de artes únicos (es decir, temas, formas, estilos, iconografía, materiales y uso). Por ejemplo, las cifras relicario de cobre abstracto estilizado desde Gabón difieren marcadamente de los naturalistas de terracota y bronce esculturas Ile Ife.

Africanos trajeron un aprecio por la lengua de su cultura, la cosmología, creencias espirituales, ceremonias, rituales, ascendencia, y la historia política. Además, trajeron el conocimiento de los valores estéticos, las prácticas artísticas, y las costumbres visuales de sus culturas individuales. Muchas de las habilidades desarrolladas y talentos de trabajar como artistas y artesanos en uno de los muchos de obra segregado por género

tiendas y alianzas. gremios arte africano producido objetos tan variados como la escultura, joyería, textiles, y la cerámica, todos hechos a partir de materiales tan diversos como el oro, bronce, madera, marfil, algodón, seda, piel, rafia, arcilla, cuentas y conchas. Por ejemplo, los artistas de Edo que ponen en el mundo de renombre “Benin bronces” para las cortes reales de Edo del XIV al XVIII trabajado dentro de una tradición artística y política muy diferente a los talladores de marfil de saleros que se importaron desde el Kongo Europa durante el Renacimiento. Algunas formas de arte, estilos y técnicas han sobrevivido, otros retenidos en versiones modificadas y adaptadas a medio cultural americano.

Síntesis y resistencia son las características culturales y creativas del arte afroamericano. Cultural, el arte africano americano es un híbrido tradición de los valores estéticos y prácticas artísticas de África, la diáspora africana, Europa Occidental, y Euro-América. Cada uno de estos grupos culturales dentro de su época histórica tiene su propio conjunto de valores sociales, las condiciones económicas y las relaciones políticas, así como los intereses artísticos individuales y colectivos que prevalece. Estos factores se combinan para afectar a la proporción cambiante de la influencia africana o europea en el trabajo de los artistas negros. La influencia más formativa surge de la fusión de tantas herencias étnicas africanas en la amalgama revitalizado ahora se conoce como la cultura afroamericana.

tradiciones de artes visuales de la Diáspora Africana y africanos son radicalmente diferentes de las tradiciones occidentales, tanto en la forma (medio / material, estilo / técnica) y el contenido (sujeto / temas, motivos / significado). La tensión final es que las tradiciones de blanco Europea se basan en principios que entran en conflicto radicalmente en su consideración por la vida africana, el arte y la cultura. tradición visual africana asume la humanidad, la belleza, la inteligencia, y el valor de las personas de ascendencia africana-africana y. Por el contrario, las tradiciones eurocéntricos han explotado y manipulado la autoridad de la filosofía occidental, la estética, la teoría social, y la ciencia a asociar todo el potencial humano con sólo las personas de ascendencia europea, con el hombre heterosexual en la cima de una jerarquía imaginado y una mujer africana la parte inferior.

Necesariamente, el arte negro es una práctica representacional resistente que crece a pesar de la opresión cultural. Desde el período colonial de la esclavitud hasta la actualidad, los artistas negros han tenido que trabajar dentro y contra una cultura visual de corriente que demoniza habitualmente negrura y devalúa todas las cosas africano. Como resultado de ello, el trabajo de los artistas negros, conscientemente y por su mera existencia, socava mitologías raciales europeos junto con las jerarquías sociales, políticas y económicas que aquellos mitos europeos derivada justifican. arte negro, por lo tanto, es un patrimonio artístico y estético que funciona a valorar lo negro y los negros, la materia en particular como digno, mientras que al mismo tiempo aprovechando bien las diversas herencias culturales de África en la imaginación occidental y africana descendido corazón de la gente.

Los africanos en América colonial creado arte y artefactos que revelaban su deuda con las tradiciones culturales miríada de África. La mayoría de los artistas negros durante los siglos XVII y XVIII fueron esclavizados. Las obras creadas bajo esta condición adversa dividen en dos grandes categorías. En primer lugar, los africanos con habilidades técnicas fueron obligados a dirigir la mayor parte de su tiempo y talento creativo para la fabricación de artículos para el uso y beneficio de los propietarios de esclavos. Por ejemplo, los esclavos africanos construyeron muchas de las mansiones de las plantaciones a lo largo y elaborado la carpintería interior y mobiliario. Los nombres de los cinco hombres, (Tom, Peter, Ben, Harry y Daniel) aparecen en la nómina del gobierno de 1795 para los carpinteros en la Casa Blanca, tres fueron esclavizados por el arquitecto del edificio. de metal de África habilidad para fabricar objetos ayudó a producir bellas artes decorativas, así como los ganchos de suspensión utilizados para la servidumbre. Las mujeres hicieron los vestidos de moda y hogar En segundo lugar, ya que los propietarios de esclavos africanos forzados a trabajar de sol a sol; que sólo ocasionalmente encontraron tiempo o recursos para aplicar sus energías creativas en beneficio propio, familias o amigos. Un parado, figura hierro forjado y un tambor de madera decorada hecha en el estilo de los Akan son las piezas más antiguas conocidas de arte hecho por sí mismos, sin tapar a través de excavaciones arqueológicas de las plantaciones de Virginia.

En general, los primeros artistas negros no tenían la libertad para practicar las artes de la pintura y la escultura, ni tienen recursos para trabajar en materiales preciosos tales como el aceite de la lona, ​​mármol u oro. Más bien, se adaptaron las habilidades y técnicas una vez empleados para hacer objetos de uso diario, ceremonias sagradas, o cortes reales africanos. Africanismos artísticas y estéticas se encuentran incrustados en los detalles de adornos arquitectónicos, diseños de edificios, muebles hechos a mano, edredones, ropa y herramientas. carpinteros africanos diseñaron y construyeron sus cuartos de una habitación utilizando estilos y técnicas originarias de África. Estas técnicas y motivos dan testimonio de las dificultades culturales e históricos que surgen cuando se trata de establecer límites concretos entre lo que son las artes negras y cuáles son las artes euro-americanos.

Primeros artistas Compensación de Negro SEGURO por sus esfuerzos

las mujeres y los hombres negros a menudo se venden y se compran en base a sus habilidades. Algunos fueron a menudo “alquilados” por los dueños de esclavos y ocasionalmente permitido conservar una pequeña parte de los ingresos obtenidos. De esta manera, algunos esclavos africanos fueron capaces de ahorrar suficiente dinero para comprar la libertad de sus propios familiares y de los miembros. A menudo trabajaban como aprendices y oficiales anónimas en ocupaciones tan variadas como la cerámica, la orfebrería, ebanistería, y la sastrería.

La proporción de personas y artistas negros emancipados o incluso nacidos libres-fue mayor en el norte que el sur. Sin embargo, los norteños también vivían y trabajaban dentro de toda la opresión legal y cultural de la cultura de la supremacía blanca. Para asegurar una compensación monetaria o material para su trabajo, artesanos negros libres fabricaron objetos que hizo un llamamiento a la sensibilidad estética de los patronos de clase sobre todo los blancos con los fondos discrecionales. Algo de lo que se ha conservado y celebrado como Euro-americano arte y la arquitectura, en muchos casos, ha sido producido por los negros esclavos y libres.

Artistas negros prominentes en América temprana

Hay, sin embargo, el arte y artesanos cuyos nombres y las obras son parte del registro histórico. Scipio Moorehead es el primer artista negro con una obra atribuida. Moorehead era un africano esclavizado que aprendió dibujo y la pintura de la mujer de su dueño de esclavos. Creó un dibujo de tinta 1773 Retrato de Phillis Wheatley -un grabado del retrato de Moorehead sirvió como la portada de la publicación del célebre Wheatley Poemas sobre diversos temas, religiosos y morales. El joven poeta rinde homenaje a habilidades de pintura de Moorehead en un poema titulado “Para S. M. Un joven pintor de África, al ver a su trabajo.” Dado que ninguno de los cuadros de Moorehead se conservan, la descripción de Wheatley sirve como una descripción muy valiosa de ellos.

Dave Drake (c. 1780-1864) fue uno de los ceramistas más prolíficos en el Distrito de Edgefield de Carolina del Sur. slaveholder de Dave le enseñó el oficio, pero Dave rápidamente desarrolló su propio estilo distintivo para la fabricación de grandes vasijas de gres esmaltadas. No está claro cómo David aprendió a leer y escribir, pero lo hizo a pesar de que era una violación de la ley de Carolina del Sur. David salió de su propio legado perdurable porque él firmó su nombre en docenas de ollas. También ha mejorado su trabajo fama componiendo inscrito alrededor de la superficie exterior de más de veinte macetas dichos, versos proféticos cortos como “esta noble frasco llevará a cabo 20 / llenarlo con plata entonces usted tendrá un montón” (31 de marzo de 1858).

En los últimos siglos XVIII y XIX, muchos negros querían expresarse de forma creativa en las “bellas artes” de la pintura y la escultura. Entre estos primeros artistas negros, algunos nacieron libres y emancipados otros, pero todos aceptaron trabajar cuando y donde podrían encontrarlo. En general, estos artistas trabajaron de forma independiente y sin el apoyo de colectivos de artistas o el fomento de los movimientos de artes negras. Más a menudo que no, sólo euro-americanos poseían los recursos financieros para comprar o retratos pintados a mano de comisión, todavía estudios de vida, historia imágenes, paisajes, escenas mitológicas o género, escultura monumental pública, escultura jardín privado, marcadores cementerio elaboradas, o delicados Artes Decorativas. Como resultado, para los artistas negros que trabajan en las bellas artes, el éxito financiero y realización artística dependían de una represión de formas o estéticas derivadas de África y la evitación de la materia que se celebra o se respete la humanidad de los africanos y sus descendientes.

Los registros históricos indican que Joshua Johnston (1765-1830) fue el primer artista de ascendencia africana a trabajar como retratista profesional. Después de ser liberado en 1796, Johnston trabajó como “limner” o artista autodidacta. Se anuncian sus servicios en los periódicos y pintado retratos modestos pintorescas, de prósperos comerciantes y sus familias en el área de Baltimore, Maryland. En la actualidad hay ochenta cuadros firmados por o atribuidos a Johnston. Este espacio relativamente grande de trabajo sugiere que el estilo aparentemente ingenua de Johnston se reunió con los gustos estéticos conservadores y puritanos de los blancos ricos de la república americana temprana. Sólo dos de los retratos de Johnston son de los hombres de ascendencia africana y tanto el desgaste clérigos collares. Arte, de ese modo, vincula Johnston a una clase de, activistas antiesclavistas libres de negro en su ciudad natal. Los historiadores sugieren que una pintura Retrato de un clérigo es de Daniel Coker, un abolicionista negro y antepasado de la (A.M.E.) Iglesia Metodista Episcopal Africana. Como uno de los fundadores del arte negro, Johnston creó obras que satisfagan las necesidades de los clientes en conflicto clases-un legado paradójico que continúa en la actualidad.

PROFESIONALES artistas afroamericanos representan SU CULTURA

En términos de tema y estilo, a menudo es difícil distinguir la obra de los pintores del siglo XIX negros, escultores, fotógrafos o de la de sus homólogos blancos. pinturas de paisajes de estilo río Ohio de Robert Duncanson, la captura de la grandeza del desierto de América, no proporcionan ninguna indicación de que el artista es de ascendencia africana. Del mismo modo, Julio León (1810-1866) fue un artista pionero, y uno de cincuenta daguerrotipistas negro documentados que operaban con éxito los estudios de retrato o de negocios que viajan en las décadas inmediatamente después de la invención del daguerrotipo en 1839. La mayoría de sus clientes eran euro-americanos mirando para capturar su imagen de forma permanente con el nuevo medio. La distinción más notable e importante en el arte de negro y

artistas blancos se produce en el pequeño porcentaje de trabajo afroamericano profesional de los artistas que representa a personas de raza negra.

artistas negros infunden sus representaciones de figuras históricas negro, así como los ficticios con una dignidad y la fuerza de carácter extranjera a las obras de artistas blancos. James Presley Ball (1825 c.1904 / 05) y Augustus Washington (1820-1875) eran abolicionistas ardientes y utilizan su trabajo para deplorar los horrores de la esclavitud. Ball también gira la cámara en su propia familia, la captura de imágenes pulidas de los negros libres con el acceso a las comodidades de la clase media antes y después de la Guerra Civil. Aunque las fotos de la familia son un pequeño porcentaje de las imágenes de Ball, se destacan en marcado contraste con el aspecto harapiento y despeinado habitualmente utilizado para representar los negros por artistas blancos. El grabado de Patrick H. Razón del retrato de Henry Bibb es otro ejemplo exquisito. Es una representación digna del conferenciante antiesclavista y célebre autor narrativa esclavo. Libro en la mano, Henry Bibb mira audazmente hacia fuera el espectador. La pose se refiere a su dominio del arte de la escritura y su valor para resistir la opresión. Es una imagen que socava los mitos proesclavistas que los negros eran criaturas dóciles que felizmente aceptado puestos de servidumbre y carecían de la capacidad de razonar.

Edward Mitchell Bannister de Repartidor de diarios (1869) es un retrato de acoplamiento de un muchacho negro laborioso. Este retrato aparentemente sin complicaciones es excepcional porque los artistas blancos bien representados juventud negro como servidores ingratiating, o representados como perezoso, traviesa, y los ladrones problemáticos. En esta y otras obras, los artistas negros rechazaron las caricaturas degradantes faciales y escenas estereotipadas favorecidos por artistas y coleccionistas euro-americanos.

En las consecuencias de la Guerra Civil y la Reconstrucción, blancos americanos desarrollaron tantas representaciones de hacer muecas, deferentes negras jugadores del banjo masculinos que el tema pictórico se convirtió en una difamación y de primera necesidad humillante en el vocabulario visual de la cultura americana. En 1893, sin embargo, Henry O. Tanner tomó el tema banjo en Lección de banjo, uno de sus tres pinturas “género” que retratan los afroamericanos. pintura de un hombre de avanzada edad que pasa en una habilidad acariciado a un niño de Tanner se volvió una convención de burda caricatura en una representación sensible que respeta más que ridiculiza negro talento musical y las relaciones familiares. En circunstancias de riesgo, artistas del siglo XIX, por lo tanto utilizan las artes visuales como un espacio para ejercer su creatividad al mismo tiempo que lucha para debilitar y corregirá imaginario cultural hostil que perpetúa la opresión afroamericano.

ESTUDIO AFROAMERICANO artistas en Europa

Los más ambiciosos artistas afroamericanos lo largo del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX buscaron reconocimiento de la crítica, el patrocinio, y el éxito financiero que trabaja artistas plásticos como formalmente entrenados. Para trabajar en los estilos académicos o de vanguardia de su época, los artistas afroamericanos que tenían los recursos financieros necesarios o conexiones sociales viajaron a Francia, Inglaterra, Alemania e Italia para entrenar en las academias y estudios de destacados pintores y escultores. En muchos casos, los artistas negros como el escultor neoclásico María Edmonia Lewis (c.1850-1911) y Henry Ossawa Tanner (1859-1937) prefirieron vivir y trabajar en Europa. expatriados negros encontraron más oportunidades y mayor aceptación que viven con el prejuicio racial en Europa que en América segregada.

Durante el siglo XX cada vez más creativas afroamericanos engrosaron las filas de los artistas formalmente capacitados y profesionales. Se basan en los esfuerzos personales dispersas de sus predecesores, la configuración de una moderna tradición del arte como individuos, colectivos de arte, y los participantes de los movimientos culturales amplios. tendencias dispares intelectuales, ideologías políticas, y los valores estéticos surgieron durante el siglo para demostrar el aspecto y la importancia del arte afroamericano. Influencias tan variadas como el panafricanismo, el modernismo, el poder Negro, feminismo, afrocentrismo, y post-modernismo presentan la obra de artistas tan disímiles como Augusta Savage, Palmer Hayden, Elizabeth Catlett, Norman Lewis, Faith Ringgold, Charles Searles, John Biggers, Renee Stout, Lorna Simpson, y David Hammons.

visionarios creativos del siglo XX ampliaron la forma de arte afroamericano trabajando en estilos, técnicas y materiales considerados experimental, innovador y de vanguardia, así como los que se consideran conservadoras y derivada. Al ampliar los parámetros para una materia aceptable incluir representaciones de los negros y la vida negro, estos artistas transformaron drásticamente el poder de la cultura visual de América. Además, los artistas americanos africanos y sus partidarios han participado en diálogos seculares respecto al papel de los artistas negros, el propósito de su trabajo, la relación de los artistas negros a las comunidades negras, y su responsabilidad para tratar de mejorar las condiciones en que los negros vivir.

LA ERA “nuevo negro”

artistas afroamericanos, que vinieron de edad en el inicio del siglo XX, surgieron en una época en que apoyó la sensibilidad artística y preocupaciones creativas centradas en el cultivo y la elevación del “nuevo negro”. Como un concepto o término, el “nuevo negro ”vino a designar una ideología de resistencia y una forma de activismo social progresivo que se puso en contra de todas las formas de opresión. Esta nueva actitud llevó a cientos de miles de afroamericanos que migran desde el sur agrario rural al urbano industrial del Norte para escapar terribles circunstancias económicas, los horrores de la segregación Jim Crow, aparcería-ping, Nightriders supremacía blanca, y la cultura de linchamiento. Los Grandes Migraciones promovió un aumento en la organización política, la movilización social y la renovación cultural normalmente se conoce como el movimiento “nuevo negro”, el negro del renacimiento, el renacimiento de Harlem.

“Nuevo negro” intelectuales y líderes políticos adoptaron una forma de conciencia de la raza que les permitió a la cultura y las artes negro de valor, en realidad la celebración de ellos como parte integral de la América de la riqueza actual y futura grandeza. Su activismo dio a luz a una generación de artistas modernos afroamericanos con siglo XX, en lugar de en el siglo XIX, inquietudes artísticas. Estos artistas trabajado en diversos medios y estilos, sin embargo, sus convicciones estéticas basado en el supuesto de que la gente y la cultura negros eran sujetos dignos e importantes para el arte moderno.

William Edward Burghardt Du Bois instó rutinariamente tales artistas afroamericanos como Henry O. Tanner y Meta Warrick (1877-1968) para desarrollar imágenes visuales que rehabilitar la imagen del negro en la imaginación del público. Instó a los artistas para producir pinturas y esculturas que desafiaron la tradición europea y Euro-Americana de representación de los negros en una larga lista de servidores de bellas artes y los estereotipos publicitarios. Algunos aceptaron el llamado a crear arte al servicio de la mejora social, mientras que otros sólo querían hacer arte como una forma de expresión individual. Cualquiera que sea su inspiración creativa, las obras “nuevo negro” de la era de los artistas son venerados iconos que sirven como la piedra angular colectiva del arte afroamericano del siglo XX y la estética.

(1886-1983) fotografías de James VanDerZee capturaron la vitalidad de Harlem en su apogeo como la “meca” de la vida y cultura afroamericana. Por ejemplo, sus retratos individuales y grupales de Marcus Garvey y desfiles patrocinados por Universal Negro Improvement Association son documentos históricos significativos y declaraciones estéticas creativas. También fija permanentemente la imagen de miles de Harlemites cuyos nombres se han perdido, aunque sus imágenes móviles hacia arriba continúan para dar testimonio de la energía cultural de la vida urbana. Además, pintores como Edward Harleston, Malvin Gray Johnson, William Edouard Scott y Laura Wheeler en Guerra capturaron la vitalidad de la cultura negro en sus retratos y escenas pictóricas.

RENACIMIENTO HARLEM Y LA ADMINISTRACIÓN progreso de trabajos

La era “nuevo negro” provocó un intenso florecimiento de la creatividad artística entre los escritores afroamericanos, músicos, cantantes, artistas de teatro y artistas plásticos. Cuando la Primera Guerra Mundial terminó en 1918, Harlem, una sección de la parte alta de Manhattan, fue el hogar de la mayor población urbana negro en Estados Unidos y el centro cultural de esta actividad artística. que normalmente se denomina el renacimiento de Harlem, fue un movimiento nacional e internacional en las artes negras y cultura que abarca otros centros urbanos como Chicago, Cleveland y Washington, DC, así como en el Caribe y Europa.

Alain Locke (1885-1954), profesor de filosofía de la Universidad Howard y beca Rhodes, fue un destacado arquitecto del renacimiento artes basadas en Harlem. Él cree que si los artistas negros demostraron su maestría creativa e intelectual de la literatura y las bellas artes a la opinión pública estadounidense, que obtendría el respeto a la raza negro y por lo tanto cambiar las actitudes blancas y mejorar las relaciones raciales. Para estimular el apoyo crítico y financiero para los artistas negros, Locke se desempeñó como editor invitado para “Harlem: Meca del nuevo negro”, una edición especial de la revista encuesta Gráfico (1925). ensayistas que contribuyen teorizaron y se celebra la estética del arte africano y los logros de las artes y la cultura afroamericanas.

El ensayo de Locke “El legado de las Artes ancestral” instó a los artistas negros de recurrir a los legados artísticos y culturales de África en la creación de su arte. Locke sostuvo que si la abstracción estilizada de la escultura de África Occidental podría inspirar a los artistas de vanguardia (por ejemplo, Pablo Picasso, George Braque, o Emile Nolde) para crear importantes estilos modernos como el cubismo o el expresionismo alemán, que sin duda debe conducir artistas “nuevo negro” para desarrollar un vocabulario visual único. Locke y las ideas de sus contribuyentes eran culturalmente progresiva en el tiempo. Sin embargo, descansaron en dos conceptos: refutado hoy la existencia de esencias raciales determinados biológicamente y una forma de primitivismo romántico. La tarde no sólo echaron África y los africanos como primitiva, pero a medida que el polo opuesto de la civilizada Europa y los europeos.

No obstante, los artistas tan diversos como Aaron Douglas, Palmer Hayden, Sargent Claude Johnson, Archibald Motley, Jr. James Lesesne Wells, y Augusta Savage, abandonados temporal o permanentemente las convenciones de su formación al estilo europeo para experimentar con estilos o temas de inspiración africana. Aaron Douglas es el artista destacado con mayor frecuencia como el artista del renacimiento de Harlem por excelencia. Un pintor de retratos entrenado, Douglas abandonó el estilo realista, desarrollando su lugar una forma egipcia estilizada de la pintura figurativa que adorna numerosas publicaciones Harlem Renaissance, incluyendo ilustraciones y diseños en el libro de Alain Locke El nuevo negro y James Weldon Johnson Trombones de Dios: Siete Sermones Negro en el verso (1927).

El movimiento genera un nivel sin precedentes de patrocinio de individuos y organizaciones privadas. Por ejemplo, la Asociación Nacional para el Avance de la Gente de Color (NAACP) y la Liga Urbana Nacional, fundada en 1909 y 1910 respectivamente, instituido importantes premios de arte. Sus respectivas publicaciones Crisis y Oportunidad se convirtió en lugares para los artistas y para revisiones críticas de las exposiciones de arte “nuevo negro”. El patrocinio principal del arte renacimiento de Harlem provino de la Fundación Harmon, establecido por el inversor inmobiliario William E. Harmon. La fundación otorgó premios y patrocinado exposiciones con jurado y espectáculos que viajaban alrededor de los Estados Unidos. La fundación ejerce control creativo sobre el tipo de arte producido o promovido. Como resultado de ello, la Fundación, espectáculos, premios, e incluso los artistas han sido objeto de controversia social y crítico.

Que ocurre durante el punto más alto del renacimiento de Harlem, la caída de la bolsa de 1929 arrojó los Estados Unidos en la Gran Depresión. El Proyecto Federal de Arte (1935-1943) fue uno de los programas de alivio “New Deal”, patrocinado por la Works Progress Administration de Franklin D. Roosevelt (WPA). El Proyecto Federal de Arte (FAP) pagó artistas para producir obras que celebran Latina y estilos de arte estadounidenses para el público. El FAP promueve un ambiente donde la figuración y el realismo social fueron valorados sobre la abstracción y la alegoría. En muchos sentidos, los fondos FAP contribuyó a artistas negros alejándose de los africanismos estilísticos alentados por Locke y la Fundación Harmon, centrándose en cambio en la cultura popular afroamericana.

Una asignación federales Artes proyecto empleó un joven Jacob Lawrence y le proporcionó apoyo al principio de su carrera. Posteriormente se convirtió en uno de los artistas negros más famosos de Estados Unidos. Lawrence titulado una serie de sesenta pinturas La migración de los negros (1940 a 1941). La serie le aseguró reconocimiento de la crítica, una característica de Fortuna revista, una exposición individual en el prestigioso centro de Galería, y la compra de varios de sus paneles por el Museo de Arte Moderno. En Chicago, la Comunidad Centro de Arte Southside (SCAC) proporcionó primeras oportunidades de carreras para artistas como Archibald Motley, Jr. Charles Sebree, Roger y Gordon Parks. Además, Hughie Lee-Smith y Charles Sallee encontraron oportunidades de enseñanza y apoyo en Karamu Casa Asociación artista en Cleveland (establecido 1935). La Casa Karamu y SCAC se encuentran todavía en funcionamiento hoy.

Artistas afroamericanos EXPLORAR FORMAS DE ARTE Modernistic

A finales de la década de 1930 y principios de 1940, artistas como William H. Johnson, Charles Alston, Hale A. Woodruff, y Norman Lewis fueron menos inspirados en el realismo social y más interesado en las preocupaciones formalistas del modernismo europeo, especialmente el expresionismo y la abstracción. Eldzier Cortor y Hughie Lee Smith, por ejemplo, exploraron la potencia visual del surrealismo en la pintura. Ellos prefieren el reto de trabajar en estilos que la mayoría de los estadounidenses consideran exterior y experimentó con una variedad de enfoques tales que en algunas pinturas abstractas del sujeto es reconocible mientras que en otras pinturas los temas son completamente no-presentación. Romare Bearden (1911-1988) fue un artista afroamericano que comenzó a trabajar con la abstracción figurativa. Durante la década de 1940, sin embargo, se trasladó a convertirse en un practicante temprana del expresionismo abstracto, un movimiento de arte moderno que catapultó a Nueva York en la escena del arte mundial, desplazando de manera efectiva París como el principal centro del mundo del arte.

El desprecio para el realismo modernista se afianzó entre los americanos de vanguardia de artistas, críticos y clientes. Por lo tanto, un entorno artes se cultivaba en el que euroamericanas colectores podrían “descubrir” y defender el arte de estos artistas afroamericanos autodidactas como el pintor Horace Pippen y el escultor William Edmondson, porque no se emplean las convenciones del realismo representación . Colectores cree que estos artesanos autodidactas encontraron expresión modernista sin la lucha de rechazar la capacitación formal o el intento de superar la tradición. coleccionistas y curadores blancos refieren comúnmente a estos artistas autodidactas como “artistas populares,”’‘artistas nativos’y‘negro-primitivas’, con frecuencia prefieren las promueven y sobre los artistas afroamericanos con formación profesional. A pesar de las críticas que este era un racista y la práctica paternalista, artistas autodidactas del siglo XX han seguido siendo importantes contribuyentes al arte afroamericano.

FROM “ART NEGRO” TO “afrocentrismo”

El Movimiento Negro Artes, también conocida como rama artística del movimiento del Poder Negro, desarrollado durante los años 1960 tumultuosos en oposición desafiante a los valores estéticos occidentales o eurocéntricos que continuaron para regular la apreciación y producción del arte y la cultura en los Estados Unidos. Los defensores del movimiento Art Negro desafió a los miembros de la comunidad creativa negro de redefinir los roles del artista y técnica a la luz de un programa político negro cada vez más radicalizado. esteticismo negro defendió la creencia de que el primer paso hacia la liberación negro requiere personas de raza negra para construir una nueva visión del mundo. Se insiste en que los negros necesitaban desarrollar una conciencia negro o perspectiva que es África centrada en lugar de Europa centrada como una forma de crecimiento intelectual y la autonomía personal.

Los debates Negro Artes se calentaron y polémica. Definiciones e interpretaciones de la estética negro fueron contradictorios. antología de Addison Gayle La estética Negro (1971) capturaron la diversidad teórica entre los artistas visuales y literarias. Sin embargo, los defensores universalmente abrazaron algunas cualidades. Primero y ante todo, rechazaron la idea de que el arte y la política eran distintos dominios de la actividad humana. El crítico tarde y poeta Larry Neal, uno de los movimientos teóricos más influyentes, proclamó, “el artista y el activista político son uno”. Sostuvo que la diferencia entre las artes negras y conceptos de la energía negra es que “uno tiene que ver con la relación entre el arte y la política; el otro con el arte de la política “.

Bajo esta formación teórica, el arte no era un lujo, sino un arma básica y necesaria en la lucha de los negros contra el orden social y político de los Estados Unidos. En la teoría y la práctica, los que abarca la estética negro rechazaron la idea de que el arte estaba destinado a los pedestales y las paredes de las galerías privadas, museos públicos, y las casas de los ricos. Atacaron la doctrina modernista del “arte por el arte” como falsa y engañosa, afirmando que el arte debe apoyar y promover una revolución negro. artistas plásticos negros en los Estados Unidos respondido a la llamada, la creación de un cuerpo de pinturas, esculturas, grabados, ensamblajes y murales públicos que pretendían informar e inspirar a la gente negra para resistir la opresión de forma agresiva. Una corriente de artistas negros estéticas creado obras que fueron inspirados por el idealismo revolucionario de las luchas de liberación africanos contra el colonialismo europeo. Otra corriente de visionarios Negro Artes deemphasized la política y se centró en la celebración de la gloria de las culturas africanas antiguas y contemporáneas.

Un ejemplo de la evolución del arte de la comunidad y su accesibilidad estuvo representada por la aparición de un grupo llamado COBRA: la Coalición de Negro artista revolucionario. Los miembros del grupo colaboraron en un proyecto de mural comunitario en Chicago, Illinois, creando la El respeto de la pared (1967), la pintura de retratos de figuras negras históricos, como Frederick Douglas, Marcus Garvey, y Malcolm X. Su celebración de la herencia étnica y la identidad se convirtieron en faros para murales conciencia negra en Detroit y Boston. COBRA más tarde llegó a ser conocido como el AFRI-COBRA: la Comuna de África de Artistas Bad relevantes.

La otra corriente de artistas se centró en la recuperación cultural más que la agitación política. A medida que más y más países africanos obtuvieron su independencia, empezando por Ghana en 1957, los artistas negros comenzaron a viajar al continente africano. Produjeron arte en honor legendarios reyes y reinas de África, coloridas escenas de pueblos africanos y mercados ocupados. Aprendieron sobre el arte africano y la cultura de la experiencia de primera mano en lugar de libros escritos por los europeos o los euro-americanos. Produjeron obras como Thomas sensación de Mujer de Senegal y John es más grande Ghanian Festival de la cosecha, que captan la fuerza y ​​la belleza de las mujeres africanas al tiempo que subraya la vitalidad de sus trajes tradicionales. En contraste con esto la calidad del documento, artistas como Charles Searles y Faith Ringgold crean coloridas pinturas, de inspiración africana y esculturas, prestatarios elementos formales y materiales africanos y reelaborarlos en visiones estilizadas genéricos.

Desde las denominadas corrientes nunca fueron dura y rápida, numerosos artistas trabajaron en ambos, conscientemente intentar equilibrar la formal y la política. Los derechos civiles y movimientos Black Power genera enormes debates y actividad entre los creadores, y algunos críticos blancos desestimó el arte como propaganda enojado, romántica, o mero. Como activismo organizado decayó a mediados y finales de 1970, el movimiento de Arte Negro perdió gran parte de su impulso colectivo. Muchos artistas que surgieron durante la era aún están creando, exhibir o la enseñanza del arte en la actualidad. Sus teorías artísticas, estrategias artísticas y preocupaciones estéticas ayudaron a sentar las bases para las artes contemporáneas afroamericanas.

Contemporary Arts

Durante 1980 y 1990, hubo una verdadera explosión en el número de autodidactas y formalmente entrenados afroamericanos que se creó, exhibidos, y se comercializa su arte. Los artistas contemporáneos tienen la oportunidad de trabajar con una amplia gama de materiales, medios de comunicación, las nuevas tecnologías y conceptos críticos. Ellos son capaces de emplear estilos, técnicas y enfoques no imaginados por sus predecesores creativas.

Durante este período de tiempo, los artistas afroamericanos individuales recibieron reconocimiento crítico, el aumento de la representación galería, una mayor inclusión en el grupo y exposiciones en museos en solitario, y se convirtió en el tema de la beca académica. El arte visualmente atractiva de artistas como Emma Amos, Jean-Michel Basquiat, Robert Colescott, Houston Conwill, Lyle Ashton Harris, Glenn Ligon, Renee Green, Lorraine O’Grady, Howardena Pindell, Alison Saar, y Fred Wilson han sido el foco exposiciones de impresionantes. artistas visuales americanos africanos han sido los destinatarios de los premios y premios de prestigio. En 1987, Romare Bearden fue galardonado con la Medalla Presidencial de Honor. En los últimos años, MacArthur becas (en lo somes como el Genius Award) se han concedido a Robert Blackburn, David Hammons, Kerry James Marshall, Martin Puryear, John T. Scott, Kara Walker, Deborah Willis, y Fred Wilson.

arte americano africano contemporáneo se manifiesta como múltiples tendencias estéticas y artísticas, no como un único movimiento de arte, construido conscientemente. Afrocentricidad, el feminismo, el postmodernismo son algunas de las corrientes intelectuales y culturales influyentes que determinan el trabajo de artistas pintores, escultores, fotógrafos y vídeo, la instalación de las técnicas mixtas, y de rendimiento. Además, los artistas individuales tienen el conocimiento y la libertad de tener una multiplicidad de intereses. Ellos exploran cuestiones de raza, el género, la sexualidad, la orientación sexual, y clase que se cruzan y no mutuamente exclusivos construcciones. Esto está en contraste con el movimiento de renacimiento de Harlem o Negro Artes, que desafió principalmente el racismo, con el último movimiento con frecuencia despedir llamadas feministas para acabar con el sexismo como obstaculizar la unidad racial. Hoy en día, las obras de artistas como Lorna Simpson, Carrie Mae Weems, o Adrian Piper basará en el trabajo feminista pionera de artistas como Elizabeth Catlett y Faith Ringgold que son ellos mismos siguen produciendo.

Carrie Mae Weems y Lorna Simpson combinar texto con imágenes fotográficas o figurativo escritos. Esta práctica contemporánea les permite crear arte que puede desafiar al espectador, plantear preguntas, y ofrecer críticas devastadoras de cultivo que se centran en el desmantelamiento de las mitologías raciales y sexuales. Simpson es la primera mujer afroamericana en tener una exposición individual en el Museo de Arte Moderno, mientras que Weems es la primera mujer afroamericana

tienen una gran exposición en el Museo Nacional de Mujeres en el Arte.

Otros artistas contemporáneos como Dawoud Bey, Renee Cox, Anthony (Tony) Gleaton, helecho Logan, y Coreen Simpson utilizan el medio de la fotografía de manera innovadora y profundamente esclarecedores. Siguiendo el ejemplo de Roy DeCarava y Gordon Parks, esta nueva generación de artistas convierte sus cámaras en las personas, escenas y paisajes urbanos, la transformación de la fotografía documental en el arte estéticamente estimulante.

Además, hay un contingente importante de los pintores americanos africanos y escultores contemporáneos que consideran la abstracción y el énfasis en la hábil manipulación de materiales mucho más gratificante que la figuración o la crítica cultural abierta. Barbara Chase-Riboud, Melvin Edwards, Sam Gilliam, Richard Hunt, Marian Hassinger, Alvin D. Loving, Jr. Martin Puryear, Raymond Saunders, y William T. Williams continuará siguiendo el camino trazado por abstractionist artistas como Alma Thomas (1891 -1978), Hale Woodruff (1900-1980), y Norman Lewis (1909-1979).

Charles Bibbs, Varnetta Honeywood, Synthia Saint James son representativos de un grupo de artistas que celebran la cultura afroamericana en su trabajo. Crean imágenes simbólicas sobre el amor, la fuerza, la fortaleza, la supervivencia, la espiritualidad y la vitalidad. Sus colores, obras figurativas rinden homenaje a personajes históricos, así como las actividades diarias que son el corazón y el alma de la vida y cultura afroamericana. Son escenas conmovedoras, para mejorar la autoestima que recuerdan a la iglesia y reuniones familiares, los niños que juegan, los hombres, las mujeres en trabajo de parto acolchar o trenzado de cabello, gente bailando, o amantes abrazar. Los artistas que trabajan en esta tendencia conscientemente cultivar una apreciación por la estética de inspiración africana, los principios de diseño, formas, preocupaciones y alguna materia. El Festival Nacional de Artes Negro, fundada en 1988, es una en toda la ciudad, evento bianual celebrada en Atlanta, Georgia, que muestra el arte de este tipo.

En muchos casos, estos artistas crean específicamente para la cultura popular más que el llamado mercado de obras de arte donde los coleccionistas pagan precios más altos para el objeto de arte único. Las imágenes de celebración se traducen fácilmente en su precio está reproducciones, tales como impresos, carteles, tarjetas, tazas, camisetas, ilustraciones de libros, e incluso páginas de Internet que atienden a un público comprador afroamericano. Era prácticamente imposible encontrar reproducciones de arte africano americano a mediados de la década de 1980. Unos pocos años en el siglo 21, sin embargo, el arte que contiene sujetos de raza negra y la estética se pueden adquirir en tiendas, galerías marco, pedidos por correo, o páginas web.

Con la revolución era de la información, la tecnología informática, medios de comunicación públicos, y las imágenes visuales se han convertido en importantes formas de expresión. Artistas como Leah Gilliam, Glen Ligon, Betye Saar están creando y apropiándose de imágenes visuales para hacer arte generado por computadora para su distribución en CD-ROM o pantalla en Internet. Muchos artistas como Renee Cox y Alonzo Adams mantienen sus propios sitios de Internet, lo que les permite llevar el arte afroamericano directamente a una audiencia global.

Históricamente, los artistas negros no han tenido acceso igual y sin restricciones a las instituciones que apoyan la toma, exhibir y recoger de arte. A pesar del mito modernista que el arte y la estética son separados y distintos de la arena política, la fabricación y el consumo del arte están profundamente inmersos en ella. Muchas escuelas de arte, museos, galerías, así como clientes privados y públicos siguieron el Jim Crow y la segregación de género dictadas por las leyes de Estados Unidos o las costumbres sociales. Por lo tanto, los hombres y las mujeres negras no han tenido el mismo acceso a la formación, lo que limita severamente el número de personas que podrían convertirse en artistas. Por otra parte, en el ámbito de la expresión creativa, los blancos machos han tenido y seguirán recibiendo privilegios no se concede a las mujeres de todas las razas o los hombres de color. Afortunadamente, las oportunidades aumentaron drásticamente durante la era posterior a los derechos civiles, y esto de manera exponencial aumentó el número de personas de raza negra que eligieron para entrenar y definirse a sí mismos como artistas y artesanos independientes. En consecuencia, hubo un florecimiento sin precedentes de las artes y la cultura afroamericanas durante las últimas tres décadas de los años veinte y primeros de los veinticinco primeros siglos, como un sinnúmero de mujeres y hombres negros abrazan las artes visuales como una forma de expresión.

A pesar del aumento, la mayoría de los artistas afroamericanos siguen luchando para encontrar apoyo y el aliento de los maestros, los curadores, comerciantes, coleccionistas, críticos e historiadores. Hay una necesidad de aumentar el apoyo inteligente informado para artistas negros y su trabajo. artistas negros deben depender de apoyo de los profesionales relacionados con las artes para promover el conocimiento generalizado y la valoración de su trabajo. Estos profesionales relacionados con las artes incluyen críticos de arte que evalúan el mérito de exposiciones de arte y el arte; curadores que adquirir, preservar y exponer el arte de los museos públicos y colecciones privadas; distribuidores comerciales de arte que promueven el interés por artistas específicos, venden su arte original, y el mercado más accesible reproducciones a precios razonables; y los historiadores del arte que estudian los tipos de arte que hacen que las personas creativas. Necesariamente, los historiadores del arte están interesados ​​en proporcionar una visión sobre las creencias y filosofías que sustentan patrones de preferencias, la crítica, el clientelismo, la recopilación, uso y exhibición estéticas. También crónica de la aparición de formas, temas, estilos, convenciones y técnicas e intentan dar cuenta de su transformación y cambiar con el tiempo.

Libros y catálogos de exposiciones son una fuente importante para estimular el interés por el arte afroamericano. En la actualidad, cuatro encuestas ilustradas proporcionan información completa y actualizada cuentas de artes visuales americanos africanos. Samella Lewis’ Arte y artistas afroamericanos (1994) proporciona una visión general breve reseña histórica y biografías de artistas. Crystal A. Britton African American Art: la larga lucha (1996) es una narrativa de una tradición visual colectiva. Richard J. Powell Arte negro y Cultura en el Siglo XX (1997) es un análisis más teórico de temas, tendencias y momentos elevados que unen a la producción cultural negro. Escrito como una nueva adición a la serie en varios volúmenes Mundo del arte publicado por Thames and Hudson, el libro de Powell es el primero de la colección para centrarse en artistas afroamericanos.

En 1998, Oxford University Press liberado Sharon F. Patton Arte afroamericano como una adición a su serie histórica del Oxford Historia del Arte. Es un libro de texto que incluye glosarios, líneas de tiempo y penetrantes análisis. Como los primeros estudios de arte afroamericanos por las principales casas de la corriente principal, los libros de Patton de Powell y del punto de referencia y son potencialmente marca tendencias, publicaciones académicas. Lisa Gail Collins de El arte de la Historia: Americana Mujeres artistas africanos Engage el Pasado (2002) y Lisa E. Farrington La creación de su propia imagen: La historia de las mujeres afroamericanas Artistas (2005) abrir nuevos caminos como los libros enmarcados por temas clave de género y feminismo. Artista y autor, Earthlyn Marselean de Ángel negro Tarjetas: Una guía del renacimiento del alma de la mujer negra (1999) utiliza las artes para proporcionar la curación espiritual y mental. Además, Hampton University Museum publica un periódico trimestral La Revista Internacional de Arte afroamericano.

Las décadas de los años 1970 a través de la década de 1990 dio a luz a un grupo de influyentes exposiciones dedicada a resucitar, presentar y discutir el arte afroamericano y artistas. Curadores organizan estas exhibiciones especiales de enfoque para llenar el vacío dejado por la exclusión institucionalizada de los artistas negros y su trabajo en la corriente principal muestra de los museos públicos o galerías privadas. Inicialmente, estos espectáculos poseían una fuerte calidad arqueológico. Curadores extraen las colecciones de una amplia variedad de clientes públicos y privados, excavación y montaje de imágenes de artistas que trabajan en diversos medios de muchas épocas históricas y períodos estilísticos.

La primera ola de espectáculos y catálogos tenía un carácter documental, centrado en la demostración de la existencia de negros artistas plásticos profesionales. El arte que habían languidecido en los almacenes para las generaciones se hizo disponible para el público en este tipo de espectáculos y catálogos como: Siempre libre: Arte de las mujeres afroamericanas, 1862-1980, una exposición organizada por Arna Bontemps y Jacqueline Fonvielle-Bontemps; Lynda R. Hartigan de Compartiendo tradiciones: cinco artistas negros americanos en el siglo diecinueve-América (1985); Keith Morrision de Arte de Washington y su afroamericana Presencia: 1940-1970 (1985); Bucknell Universidad de Desde el renacimiento de Harlem: Cincuenta años de Afro-American Art (1984); David Driskell de Patrimonio oculto: Arte afroamericana, 1800-1950 (1985); Edmund Barry Gaither de Massachusetts Masters: Los artistas afro-americanos (1988); y Los artistas afroamericanas 1880-1987: Selecciones de la Colección Evans-Tibbs (1989). Estos catálogos abrieron un nuevo camino simplemente en la calidad de las publicaciones en color ricamente ilustradas. Desde exposiciones son temporales, por lo que las reproducciones a disposición de un amplio estudiantes y académicos de la audiencia permitido la oportunidad de seguir estudiando obras que se habían ocultado a la vista tanto contemporánea e histórica. La mayoría de los artistas que aparecen son hombres, sin embargo, las obras de algunas mujeres, como Edmonia Lewis, Lois Mailou Jones, o Alma Thomas, también aparecen.

Otro grupo de exposiciones se centraron en los oficios de arte hechas por esclavos africanos, así como aquellas formas de expresiones creativas de artistas autodidactas después de la abolición de la esclavitud. John Miguel Vlach organizado La tradición afroamericana en artes decorativas (1978), y el catálogo es un texto fundamental en las artes producidos por los esclavos. Los objetos expuestos y colección de ensayos editados por Edward Campbell Jr. y Kym S. Rice en Antes de Libertad Came: La vida afroamericana en el sur de preguerra son extremadamente valiosos para la comprensión de la producción material, así como su arqueológica a los contextos ideológicos. Además, Jane Livingston y John Beardsley Negro arte popular en los Estados Unidos, 1930-1980 (1982), William Ferris’ Afroamericana Folk Arts and Crafts (1983), y Participando en el sol: imágenes visionarias del Sur, Selecciones de la Colección de Sylvia y Warren Lowe (1987) discuten las artes populares prácticas a través de la primera mitad del siglo XX.

Los años previos a 1976 EE.UU. Bicentenario dio a luz a un movimiento de recuperación de la defensa del arte y la cultura estadounidense. A pesar de la celebración de los artistas blancos principalmente, el movimiento de recuperación trajo legitimidad a las artes populares estadounidenses, especialmente las tradiciones de acolchado femeninos. En la década siguiente, la reactivación artes populares convergió con el creciente interés en las artes afroamericanas, allanando el camino para este tipo de exposiciones y catálogos como Gladys Marie-Fry Cosido desde el alma: Esclavo edredones Desde el Sur antes de la guerra, Cuesta Benberry de Hay siempre: El africano presencia estadounidense en los edredones americanos, Maude Wahlman de Signos y Símbolos: Imágenes africanos en los edredones afroamericanos y Moira Roth Faith Ringgold: Cambio, pintado Story edredones, que mostró colchas hechas por mujeres de origen africano de la época de la esclavitud hasta el presente. Estos espectáculos colocan un órgano importante del arte ante el público para la apreciación y estudio académico. Vale la pena señalar que los museos no negros, galerías y curadores apoyaron estos espectáculos edredón a un ritmo mayor que lo hacían espectáculos de formación formal, las mujeres negras de artistas profesionales. Por otra parte, los curadores que crearon el estudio más conceptualmente difícil del arte afroamericano organizan exposiciones que exploran temas, movimientos o estilos.

En 1989, un gran número de exposiciones y catálogos bien financiados apareció después de décadas de poca actividad. Gary A. Reynolds y Beryl J. Wright organizados Contra todo pronóstico: Los artistas afroamericanos y la Fundación Harmon. Richard Powell organizó El blues Estética: Cultura Negro y el Modernismo. Alvia Wardlow comisariada Negro Arte Ancestral Legacy: El Impulso africana en el arte africano-americano. El Museo Afro-americano de California abrió Introspectives: Arte Contemporáneo por estadounidenses y brasileños de ascendencia africana y 1960: A despertar cultural Re-evaluado 1965- 1975; Deborah Willis y Howard Dodson curada Negro fotógrafos dan testimonio: 100 Año de la protesta social. Leslie King-Hammond comisariada Grabados negro y el WPA de la galería de arte Lehman College en el Bronx. Los catálogos que acompañan a estos espectáculos también revelan gran profundidad en la investigación de archivo, la resurrección de historias enterradas, y la producción de los análisis históricos.

En relación con el Festival de las Artes 1990 bianual Nacional Negro en Atlanta, el centro de arte contemporáneo montado Nexus Africobra: Los primeros veinte años. Regina A. Perry publicó su tan esperado Gratuito dentro de nosotros mismos: Los artistas afroamericanos en la Colección del Museo Nacional de Arte Americano en 1992. Sueño cantantes, narradores: una presencia afroamericana (1992) con ensayos y texto en Inglés y Japonés proporciona un refrescante nuevo enfoque para un público internacional. Bomani Galería de París Conexiones: Los artistas afroamericanos en París (1992) examinaron la producción desde una perspectiva internacional. Curador Thelma Golden organizado Negro Hombres: Las representaciones de masculinidad en el arte americano contemporáneo para el Museo Whitney de Arte Americano. El arte seleccionada para el programa examina las nociones de raza y género en la mente de los artistas de diferentes razas y el público en general. catálogos de Beryl para Wright Afroamericano-Siglo XX del arte de obras maestras, (1993) y Richard J. Powell de Exultaciones: afroamericanas Siglo XX del arte, obras maestras II (1995) se centraron en la construcción sin complejos canónico. Debra Willis, Negro: Una historia de Black Fotógrafos de 1840 hasta la actualidad (2000) y el Museo de Brooklyn de Comprometida con la imagen: Negro fotógrafos contemporáneos (2001) son históricas exposiciones con catálogos profusamente ilustradas de personajes históricos y de su trabajo, así como de vanguardia, los movimientos fotográficos contemporáneos. Del mismo modo, el Museo del estudio de la co-patrocinio de Harlem Para conservar un legado: Arte Americano del Históricamente Negro Colegios y Universidades (1999) y la organización de la exposición provocativa Freestyle revelan la diversidad histórica de leyendas artísticas afroamericanos, mientras que el último espectáculo se centra en una nueva generación que alcanzó la mayoría de edad en los derechos posteriores a civiles, apogeo del hip-hop de la década de 1980 y de acuerdo con el curador Thelma Golden crear a partir de una estética post-negro.

Estas exposiciones y catálogos demuestran que los artistas afroamericanos han sido y siguen siendo agentes importantes en la lucha por la justicia social, político y económico en los Estados Unidos. artistas afroamericanos se ubican entre las legiones de personas de raza negra increíblemente resistentes, valientes y visionarios que actuaron en sus creencias de que la vida que querían para sí mismos y los demás deben estar libres de barreras raciales, económicas, culturales y visuales. El núcleo de lo que los artistas tienen que decir sobre lienzo, en piedra o en video, unirse a lo que los artistas en la literatura, la música o el teatro han sido pensando y verbalizar por siglos. En espíritu, sin embargo, los artistas visuales afroamericanos añaden otra dimensión al coro de voces que celebran las formas en que las personas de ascendencia africana prosperan en los Estados Unidos.

Arquitectura y diseño PROFESIONALES

Desde principios del siglo XX, los afroamericanos han labrado una carrera en los campos de élite de la arquitectura y diseño profesional. Julian F. Abele (1881-1950) fue el primer afroamericano en graduarse de la Escuela de Bellas Artes y Arquitectura de Pensilvania en 1904, y se erige como el primer gran arquitecto afroamericano. Como jefe de diseño de la firma con sede en Filadelfia Horace Trumbauer & Associates, Abele contribuyeron a los diseños para la biblioteca de Filadelfia gratuito y Museo de Arte, Biblioteca Widener de la Universidad de Harvard, así como la capilla y muchos otros edificios del Trinity College en Durham, Carolina del Norte (que más tarde pasó a llamarse Universidad de Duke) y el James B. Duke mansión en la Quinta Avenida y la calle 78 en la ciudad de Nueva York (Graduate Institute ahora Universidad de Nueva York de Bellas Artes). En 1926, Paul Revere Williams se convirtió en el primer miembro negro del American Institute of Architects. Él es el más bien conocido arquitecto afroamericano, que se celebra para el diseño de parte del aeropuerto internacional de Los Ángeles y los hogares L.A. de estrellas como William Holden, Lucille Ball, Frank Sinatra, Bill “Bojangles” Robinson y Betty Grable. Williams y Howard H. Mackey organizaron la primera exposición con jurado de la obra de arquitectos “negro” en la Universidad de Howard en 1931.

Estos primeros arquitectos también trabajaron en proyectos de afluentes afroamericanos y comunidades de mediana a-bajos ingresos. Por ejemplo, Wallace A. Rayfield, diseñó la Iglesia Bautista de la Calle 16 en Birmingham, Alabama (1911), el sitio del bombardeo de 1963 que mató a cuatro niñas.; John A. Lankford de Washington, DC que diseñó iglesias y enseñó en la escuela de arquitectura de la Universidad de Howard; George Washington Foster, que se asoció con Vertner Woodson Tandy, el primer negro en graduarse de la escuela de arquitectura de la Universidad de Cornell, para crear la empresa que construyó la Iglesia Episcopal St. Philip en Nueva York en 1911, y al pueblo Harlem de cuidado del cabello millonario señora CJ Walker. Clarence W. ( “cap”) Wigington (b. 1883) fue el primer arquitecto afroamericano registrada en Minnesota y el primer arquitecto municipal afroamericano en la nación. Entre 1915 y 1947, en la Oficina del arquitecto de la ciudad de St. Paul, diseñó una serie de escuelas, parques de bomberos, parque, estructuras y edificios municipales que ayudaron a definir el paisaje de la ciudad. cerca de sesenta edificios St. Paul de Wigington comprenden una de las colecciones más importantes de obras de un arquitecto afroamericano temprano.

Que constituyen menos del 2 por ciento de las naciones 50.000 arquitectos registrados, los diseñadores contemporáneos continúan trabajando en los estilos de tradición y romper las barreras raciales y culturales de diseño. Se basan en el legado de los primeros arquitectos que dominaron negro fórmulas de diseño occidental convencional. Con el aumento de frecuencia arquitectos contemporáneos como Jack Travis, incorporan diseños de inspiración africana estética. Melvin L. Mitchell La crisis del arquitecto afroamericano: Conflicto en cultivos de Arquitectura y Energía (Negro) (2001) examina las muchas preocupaciones que enfrentan. Afroamericana profesional en los campos del diseño gráfico, comunicación visual, diseño de interiores, diseño de moda, diseño industrial y se encuentran con muchos de los mismos obstáculos. En 1990, David H. Rice fundó la Organización de los diseñadores Negro (OBD) para abordar las preocupaciones y promover el trabajo de negro arquitectónico, gráfico, publicidad, producto, interiores, la moda y los diseñadores industriales y de transporte. Actualmente bajo la dirección de Shauna Stallworth, la organización cuenta con miembros de más de 6000. En 1995, Rice escribió el ensayo “¿De qué color es el diseño?” Es sirve como organizaciones de manifiesto, audazmente afirma que “la falta de diversidad = Diseño de esterilidad.” Rice afirma que:

(Para localizar perfiles biográficos más fácilmente, por favor consulte el índice en la parte posterior del libro.)

CHARLES ALSTON (1907-1972) Pintor, escultor, muralista

Nacido en Charlotte, Carolina del Norte, en 1907, Alston recibió su B. A. y M. A. de la Universidad de Columbia en Nueva York. Se le concedió más tarde varias becas y ayudas para poner en marcha su carrera como pintor.

pinturas y esculturas de Alston se encuentran en colecciones tales como los de IBM y el Instituto de Artes de Detroit. Sus murales que representan la historia de la medicina adornan la fachada del Hospital de Harlem en Nueva York, y él era un miembro de la Sociedad Nacional de pintores murales. Los trabajos notables incluyen: Exploración y colonización (1949); Blues con guitarra y bajo (1957); canción de blues (1958); School Girl (1958); Nadie lo sabe (1966); Hijos e hijas (1966); y Frederick Douglass (1968).

BENNY ANDREWS (1930-2006) Pintor

Nacido en Madison, Georgia, el 13 de noviembre de 1930, Andrews estudió en Fort Valley State College en Georgia y posteriormente en la Universidad de Chicago. Se le concedió una B.F.A. del Instituto de Arte de Chicago en 1958. Durante su carrera, ha sido profesor en la Escuela de Investigación Social de la Universidad de Nueva York y la Universidad de Queens en Nueva York, Nueva York. Sus trabajos han aparecido en exposiciones en todo el país, incluyendo el Museo de Boston de Bellas Artes, la Galería Martha Jackson en la ciudad de Nueva York, y otros museos y galerías.

Andrews dirigió el Programa de Artes Visuales de la Fundación Nacional para las Artes de 1982 a 1984. Ha dirigido el Programa Nacional de Artes desde 1985, ofreciendo a los niños y adultos la oportunidad de exponer y competir por premios en muchas ciudades de los Estados Unidos.

Otros honores incluyen un doctorado honorario de la Escuela de Arte de Atlanta, 1984; John Hay Whitney Fellowship, 1965-1967; Consejo de Nueva York en los arte concesionario, 1971; NEA Fellowship, 1974; Bellagio compañero, Fundación Rockefeller, 1987; y un Fondo Nacional de las Artes Pintura Fellowship, 1986. Los trabajos notables incluyen: La familia; El boxeador; El hombre invisible; Edad madura de mujer; Flora; y Hizo el oso.

EDWARD MITCHELL BANNISTER (1828-1901) Pintor

Nacido en Nueva Escocia en 1828, Bannister era el hijo de un padre y de la madre de las Indias Occidentales afroamericano. Sus padres murieron cuando era muy joven. Bannister se trasladó a Boston en la década de 1850, donde aprendió a hacer placas solares y trabajó como fotógrafo.

Influenciado por el estilo Barbizon popular en la época, las pinturas de Bannister transmiten su amor de la tranquila belleza de la naturaleza y su placer en escenas pintorescas con casas de campo, ganado, amaneceres, atardeceres, y pequeños cuerpos de agua. En 1871, Barandilla trasladó de Boston a Providence, Rhode Island, donde vivió hasta su muerte en 1901. Fue el único artista afroamericano del siglo XIX que no viajó a Europa para estudiar arte, creyendo que era un americano y deseaba a pintar como un americano. Bannister se convirtió en uno de los principales artistas de la Providencia en los años 1870 y 1880, y en 1880 se convirtió en uno de los siete fundadores del Club de Arte de la Providencia, que más tarde se conoció como la Escuela de Diseño de Rhode Island. Los trabajos notables incluyen: Después de la tormenta; Regresan a sus hogares las vacas; y Narragansett Bay.

ERNIE BARNES (1938-) Pintor

Barnes asistió a Carolina del Norte Central College (ahora Universidad de Carolina del Norte Central) 1957-1960, donde se especializó en el arte y jugó en el equipo de fútbol. Barnes dejó la escuela sin graduarse cuando los Washington Redskins lo seleccionaron. Después de jugar para otros equipos de la NFL y un equipo de la Liga de Fútbol Canadiense, Barnes se retiró debido a una lesión.

Sin embargo, Barnes había continuado a pintar lo largo de su carrera futbolística, y sus compañeros lo apodado “Big Rembrandt.” Con su experiencia como jugador y su talento pictórico, Barnes se convirtió en un artista de los deportes. Se obtuvo un contrato para pintar de la Liga de Fútbol Americano y el dueño de los New York Jets Sonny Werblin.

Fue el artista oficial de los Juegos Olímpicos de 1984 en Los Ángeles. Barnes pinta en un estilo colorido y animado. Se exagera la musculatura y los atributos físicos de sus figuras. Él recibió la atención nacional cuando se utilizaron sus pinturas en el programa de televisión de 1970 Buenos tiempos. En 1997, completó su comisión para el Memorial Basketball Hall de la Fama Naismith en Springfield, Massachusetts.

JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960-1988) Pintor

En una breve trágica carrera, Jean-Michel Basquiat ganó la atención de los coleccionistas ricos como artista joven descubierto por Andy Warhol y promovido por otros consultores de arte. Se crió en Brooklyn y atrajo el mundo del arte de Nueva York con su apariencia personal de moda (rastas enmarañadas) como músico y artista a la edad de dieciocho años. Sus obras son autobiográficas y deliberadamente “primitivo” en el estilo. En febrero de 1985 fue un artista destacado en la portada de la New York Times Magazine, sin zapatos en un traje, camisa y corbata.

El Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York posee muchas de las seiscientas obras de este artista producido, según los informes valorado en decenas de millones de dólares.

Basquiat comenzó su carrera pintando ilegalmente imágenes de edificios en toda la ciudad. SAMO (argot para “S__ misma edad”) era su firma y la marca. Se utiliza a menudo en sus pinturas para preservar su reputación como un artista de la calle. Basquiat fue citado diciendo que su tema era: “[r] oyalty, el heroísmo y las calles.”

Según los informes, murió de una sobredosis de drogas. Los trabajos notables incluyen: Autorretrato como talón # 3; Sin título (Historia del Negro Personas); Africanos de Hollywood; y CPRKR (en honor a Charlie Parker).

ROMARE BEARDEN (1914-1988) Pintor, collagist

Romare Bearden nació el 2 de septiembre de 1914, en Charlotte, Carolina del Norte. Su familia se trasladó a Pittsburgh y más tarde a Harlem. Bearden estudió con George Grosz en la Art Students League y, más tarde en la G.I. Bill, fue a París, donde conoció a Henri Matisse, Joan Miro, y Carl Holty. Un producto de la nueva generación de afroamericanos que habían emigrado de las zonas rurales del sur a las ciudades urbanas del Norte, el trabajo de Bearden refleja la era de la industrialización. Sus imágenes visuales reflejarían las personas vida de la ciudad, jazz, y de la ciudad. los primeros trabajos de Bearden pertenecían a la escuela del realismo social, pero después de su regreso de Europa sus imágenes se hicieron más abstracto.

En la década de 1960, Bearden cambió su enfoque a su cuadro de decisiones y empezó a hacer collages, pronto se convirtió en uno de los collagistas más conocidos en el mundo. Sus imágenes son montajes de sus recuerdos de experiencias pasadas y de historias contadas a él por otras personas. “Un intento de redefinir la imagen del hombre en términos de la experiencia de negro” que son para Bearden obras notables incluyen: Esquina de la calle; Él se ha levantado; El entierro; seba; y La prevalencia de ritual.

JOHN BIGGERS (1924-2001) Pintor

Algunas de sus piezas más poderosas se han creado como resultado de su estudio que incluye viajes a África El Tiempo de Ede, Nigeria, una serie de trabajos realizados en los años 1960. Los trabajos notables incluyen: Cuna; Madre e hijo; Las contribuciones de las mujeres del negro a la vida estadounidense y la educación; y Escopeta, Third Ward, # 1.

CAMILLE BILLOPS (1933-) Escultor, fotógrafo, cineasta

Un escultor se señala en el arte y la venta al por menor, Camille Billops nació en California en 1933, se graduó de la Universidad Estatal de California en 1960, y luego estudió escultura con un subsidio de la Fundación Huntington Hartford. En 1960, tuvo su primera exposición en la exposición de arte africano en Los Ángeles, seguida en 1963 por una exposición en el centro de la comunidad judía Valley Ciudades en Los Ángeles. En 1966, participó en una exposición colectiva en Moscú. Desde entonces, sus talentos artísticos, que incluyen la poesía, la ilustración de libros, y la fabricación de joyas, se han ganado el elogio de los críticos en todo el mundo, particularmente en Sri Lanka y Egipto, donde también ha vivido y trabajado.

Billops también ha enseñado ampliamente. En 1975, ella era activa en las facultades de la City University de Nueva York y Rutgers en Newark, Nueva Jersey. Además, se ha llevado a cabo cursos de arte especiales en las tumbas, una cárcel de la ciudad de Nueva York. Ella dio una conferencia en la India por el Servicio de Información de los Estados Unidos en los artistas afroamericanos en 1972. Participó en una exposición en el Centro Cultural de Nueva York en 1973.

Billops es un grabador, cineasta y fotógrafo que también ha estado activo en el movimiento-mail art que ha hecho el arte más accesible al público. Ha escrito artículos para la New York Times, Amsterdam Noticias y Newsweek.

Sus donaciones para la película incluyen el Consejo Estatal de Nueva York en las Artes, 1987 y 1988; Fundación NYSCA y Nueva York para las Artes, 1989; Fundación Rockefeller, 1991; y la Fundación Nacional para las Artes, 1994.

En 1992, Billops ganó el prestigioso premio del jurado al mejor documental en el Festival de Cine de Sundance de Encontrar Christa, una combinación editada de entrevistas, películas caseras, imágenes fijas, y la actuación dramática. Los trabajos notables incluyen: Tenencia; Negro americano; Retrato de un indio americano (Las tres son esculturas de cerámica); Año tras año (pintura). Las mujeres mayores y Amor (película); Suzanne, Suzanne (película); Un collar de perlas (película); y El K.K.K. Boutique no se trata sólo de los campesinos sureños (película).

Billops es también el autor de El libro de Harlem de los muertos, con James Dodson VanDerZee y Owen.

ROBERT BLACKBURN (1921-2003) grabador

Robert Blackburn nació en la ciudad de Nueva York en 1921. Estudió en el taller de Harlem, la Liga de Estudiantes de Arte, y la Escuela de Arte Wallace Harrison. Sus exposiciones incluyen Arte del negro americano, 1940, El centro Gallery, Nueva York y Albany Museo; Arte contemporáneo del negro americano, 1966; y numerosos impresión muestra en los Estados Unidos y Europa. Su obra está representada en la Biblioteca del Congreso, los museos de Brooklyn y Baltimore, y la Universidad de Atlanta Colecciones. Él es un miembro de la facultad de arte de la Cooper Union.

Junto con sus otros logros, fundó el taller de grabado como una cooperativa artista carreras en 1949. En 1971, se incorporó como un estudio de grabado sin fines de lucro para el trabajo en la litografía, grabado, alivio y foto-procesos. El taller, un imán para el Tercer Mundo y los artistas minoritarios que refleja personalty del señor Negro-quemadura, sigue siendo un refugio para los artistas “a salir grabados por el amor de ella” y hacer cualquier cosa, desde mezcolanza experimental para piezas pulidas. En 1988, Bob Blackburn y el taller de grabado se les dio la concesión del arte del gobernador para hacer “una contribución significativa a la vida cultural del Estado de Nueva York.” Los trabajos notables incluyen Muchacho con la pista verde y Madre Negro.

SELMA BURKE (1900-1995) Escultor, Educador

Selma Burke era un artista cuya carrera abarcó más de sesenta años. Ella nació en Mooresville, Carolina del Norte, el 31 de diciembre de 1900. Ella recibió una B. A. de la Universidad de Winston-Salem, una enfermera titulada Colegio de San Agustín en 1924, un M.F.A de la Universidad de Columbia en 1941, y un Ph.D. de Livingston College en 1970. Burke recibió su formación como escultor en el Columbia

[Imagen no disponible por razones de derechos de autor]

Universidad de Nueva York. También estudió con el correo-lol en París y con Povoley en Viena.

Burke trabajó como instructor en el arte y escultura en la Escuela de los amigos / de George School / Forrest Casa en la ciudad de Nueva York desde 1930 hasta 1949. Desde 1963 hasta 1976, se desempeñó como instructor en el arte & escultura en la Escuela Sidwell, Haverford College, Livingston College y el Swarthmore College. El A. W. Fundación Mellon contrató a Burke como consultor desde 1967 hasta 1976. Burke fundó la Escuela Selma Burke de la escultura de la ciudad de Nueva York en 1940 y el Centro de Arte Selma Burke en Pittsburgh en 1968, donde enseñó y apoyó muchos artistas jóvenes.

En 1987, Burke recibió el Premio de la Fundación S. Buck de la Mujer de las Perlas. También recibió títulos honorarios de Livingston College, la Universidad de Carolina del Norte, y Moore College of Art.

Burke es mejor conocido por su escultura en relieve prestación de Franklin Delano Roosevelt que fue acuñada en la moneda de diez centavos americana. El 29 de agosto de 1995, murió de cáncer.

Premio de la Fundación S. Buck mujer de Pearl fue dado a ella en 1987 por su distinción profesional y la dedicación a la familia ya la humanidad. Los trabajos notables incluyen: Angel Caído; Paz; y Jim.

STEPHEN BURROWS (1943-) Diseñador de moda

Stephen Burrows nació el 15 de septiembre de 1943, en Newark, Nueva Jersey. Observó su abuela cuando era un niño y comenzó a hacer ropa a una edad temprana. Más tarde estudió en el Philadelphia College Museum of Art y el Fashion Institute of Technology en Nueva York.

Con un compañero, abrió una boutique en 1968. Trabajó para Henri Bendel 1969-1973 y volvió a Bendel en 1977. De 1974 a 1977 se intentó, con un socio, para ejecutar una firma de la Séptima Avenida.

Conocido por sus combinaciones únicas, que utiliza parches de tela de motivos decorativos en la década de 1960. Top-costura de las costuras en contraste de hilos, dobladillos superior cosidas, conocidos como “los dobladillos de lechuga” debido a su efecto estriado, fueron ampliamente copiada. Se prefiere suave, aferrándose, telas fáciles de movimiento tales como la gasa y el jersey mate. También le gustaba la asimetría. Sus ropas fueron adoptados fácilmente por bailarines de discoteca, para quien diseñó el uso de tejidos naturales con cualidades no constricción, amplias y luminosas. Ganó el Premio a American Fashion Coty de la Crítica en 1974 y un premio especial de Coty en 1977.

Es uno de los diseñadores de moda de América honrado con una placa de bronce a lo largo de la “moda Paseo de la Fama” en la 7ª Avenida en la ciudad de Nueva York.

Él es uno de los muchos diseñadores de moda de América honrados.

ELIZABETH CATLETT (1919-) Escultor, pintor

Elizabeth Catlett nació el 15 de abril de 1919. La nieta de Carolina del Norte esclavos africanos, Catlett se crió en el barrio noroeste de Washington, DC. Como una mujer joven que intentó acceder a una escuela de arte a continuación, todo blanco, el Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh, Pennsylvania. Ella se negó la entrada y en su lugar fue a la Universidad de Howard y se graduó como estudiante de honor en 1935. En 1940, se fue a estudiar a la Universidad de Iowa, donde se convirtió en el primer escultor para recibir una M.F.A.

Su trayectoria expositiva se remonta a 1937 e incluye grupo y presentaciones individuales en los principales museos de arte americano, así como las instituciones de la Ciudad de México, Moscú, París, Praga, Tokio, Pekín, Berlín, y La Habana. escultura pública de Catlett se puede encontrar en la Ciudad de México; Jackson, Mississippi; Nueva Orleans; Washington DC; y Nueva York. Su obra está representada en la colección permanente de más de veinte museos de todo el mundo. El artista reside en Cuernavaca, México.

Catlett aceptado posiciones de enseñanza en varias universidades afroamericanas con el fin de ganarse la vida, pero para 1946 se había trasladado a México, donde finalmente se estableció. Siempre un promotor de la lucha humana-visual que ver con la grabación de los temas Catlett económicas, sociales, políticas y se involucró con el movimiento de derechos civiles tan profundamente que ha contribuido en gran medida a su filosofía de la vida y el arte. Entre 1941 y 1969, Catlett ganó ocho premios y honores, cuatro en México y cuatro en Estados Unidos. Los trabajos notables incluyen: Unidad negro y Homenaje a mis hermanas joven negro (1968); Objetivó de práctica (1970); Madre e hijo (1972); y mujer de reclinación (1981). En 1993, Catlett trabajó con James Weldon Johnson en el libro Cada levantar la voz y cantar. ,

Catlett se presentó con un doctorado honorario de letras humanas de la Universidad Estatal Morgan en 1993. En 1995, la Nueva Escuela de Investigación Social le otorgó un doctorado honorario de las bellas artes.

DANA CHANDLER (1941-) Pintor

Dana Chandler es uno de los más visibles pintores afroamericanos en los Estados Unidos. enormes murales de colores negro potencia de Chandler se pueden observar a lo largo del área del ghetto de Boston, un recordatorio constante de la resolución y determinación mostrada por la nueva generación de jóvenes urbanos afroamericanos.

obras de caballete de Chandler están en negrita y simple. Una pieza La prisión de oro muestra un hombre afroamericano con una bandera de rayas de color amarillo y rojo “porque Estados Unidos ha sido amarilla y cobardes en el trato con el hombre negro.” Puerta de Fred Hamton muestra una puerta bullet-astillado que lleva un sello de aprobación del gobierno EE.UU..

Nacido en Lynn, Massachusetts, en 1941, recibió su B. S. Chandler desde el Massachusetts College of Art en 1967. Chandler ha trabajado como crítico de arte afroamericano por Simmons College de Boston, un profesor asistente de arte e historia del arte en la Bahía de Estado de la bandera, y un artista en residencia en la Universidad de Northeastern. Los trabajos notables incluyen: Puerta de Fred Hamton; Martin Luther King, Jr. asesinado; La muerte del Tío Tom; Rebelión ’68; Dinamita; La muerte de un fanático; y La prisión de oro.

Chandler es un miembro de la Conferencia Nacional de los artistas negros, Boston Negro Asociación de artistas, Conferencia Nacional de Artistas, Unión de Artistas Visuales de Boston, y la Asociación Americana de Profesores Universitarios.

BARBARA CHASE-RIBOUD (1936-) Escultor, Autor

Barbara Chase-Riboud nació en Filadelfia, Pensilvania, en 1936. Recibió una B.F.A. de la Universidad de Temple en 1956 y un M.F.A. de la Universidad de Yale en 1960. Chase-Riboud creció animado a expresarse artísticamente por su madre músico de jazz y un padre que describe como un “pintor frustrado.” Inscrito en la Escuela de Arte Fletcher a la edad de siete años, estudió piano y ballet como un niño. Sobre la base de esta formación inicial, se especializó en el arte de la Universidad de Temple en Filadelfia. A continuación, utiliza una beca de la Fundación John Hay Whitney

estudiar en Roma durante un año. Chase-Riboud regresó a los Estados Unidos y asistió a la Escuela de Yale de Arte y Arquitectura.

Después de trasladarse a Europa, Barbara Chase se casó con el reportero gráfico francés, Marc Riboud. Ha vivido y trabajado en Europa como escultor y escritor desde esculturas de técnica mixta de 1961. Chase-Riboud se combinan y materiales “blandos” “duros”, tales como cordones de seda, yuxtapuestos a los metales, fundición generalmente de bronce, en el de la cera perdida técnica. Ella utiliza materiales de contraste para explorar las preocupaciones formales y metafóricamente comentarios sobre cuestiones relativas a la raza y la sociedad. El trabajo de Chase-Riboud ha sido expuesta en numerosos programas de una sola mujer y colectivas tales como Tres generaciones de mujeres afroamericanas escultores: un estudio en Paradox (1997) y Exploraciones en la Ciudad de la Luz: Los artistas afroamericanos en París, 1945-1965 (1996).

Además de hacer artes visuales, Chase-Riboud escribe novelas históricas y poesía. Sus publicaciones incluyen: La hija del presidente (1994); Sally Hemmings; valide; Echo de leones; De Memphis a Pekín; y Retrato de una mujer desnuda como Cleopatra, una Meloloque.

ROBERT COLESCOTT (1925-) Pintor

Robert Colescott nació en California en el año 1925. Recibió su B. A. de la Universidad de California en 1949 y más tarde su M. A. en 1952. En 1953, Colescott estudió en París con Fernand Leger. Sus exposiciones incluyen: El Museo Whitney de Arte Americano 1983 Bienal; el Museo Hirshorn y Jardín de Esculturas en Washington, DC, 1984; y el Instituto de Arte Contemporáneo de la Universidad de Pennsylvania en 1985. Sus obras se encuentran en el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte de Portland, el Museo de Arte de Delaware, el Museo de Arte de Baltimore, y la Universidad de Massachusetts colección de arte .

Un artista controvertido criticado por ambos grupos afroamericanos y los tradicionalistas, el trabajo de Colescott cuestiona la “heroica” y “empuja las normas de gusto.” Ha sustituido figuras negras en lugar de figuras blancas en cuadros famosos de Europa mientras explora el racismo y el sexo en su trabaja, junto con otros tabúes y estereotipos. Los trabajos notables incluyen: Homenaje a Dela-Croix: Libertad guiando al pueblo; Coma Dem Taters; Shirley Temple Negro y Bill Robinson blanca; y El poder del deseo, el deseo de poder.

Houston Conwill (1947-) Rendimiento del artista, artista del Medio Ambiente

Nacido en Kentucky en 1947, Conwill pasó tres años estudiando para el sacerdocio. Su fuerte educación católica y el ritual católico juegan un papel en su arte que se nutre de ambos mitos y religiones americanas y africanas. En sus exploraciones, que en su mayoría utiliza materiales no tradicionales, tales como la sustitución de la lona con el látex. Los ambientes que él construye, pinturas, y se llena de verdadera cálices, candelabros, alfombras, o arena son obras a lo que añade su propia iconografía personal, así como algunos símbolos antiguos. Los trabajos notables incluyen: El Manifiesto Cakewalk; Pasión de San Mateo; Grito al este; y JuJu Funk.

De estilo (artes visuales) - Wikipedia

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EMILIO CRUZ (1938-) Pintor

Emilio Cruz nació en la ciudad de Nueva York en 1938. Su formación incluye trabajo en la Liga de Estudiantes de Arte bajo Edwin Dickinson, George Grosz y Frank J. Reilly. Cruz ha expuesto ampliamente desde 1959. exposiciones recientes han incluido la Anita Shapolsky Gallery, 1986, 1991; El Studio Museum en Harlem, 1987; el Museo de Arte de Portland en 1987; la Escuela de Diseño de Rhode Island, 1987; la Gwenda Jay Gallery, Chicago, 1991; y G. R. N’amdi Gallery, Birmingham, Michigan, 1991.

Un artista cuyas obras son narrativa y formal (con énfasis en el color y las formas como los elementos dominantes), que combina estos dos enfoques teóricos a menudo con temas figurativos.

Sus premios incluyen: la Fundación Cintas Fellowship, 1965-1966; John Hay Whitney Fellowship, 1964-1965; Walter Premio Fundación Gutman, 1962. Los trabajos notables incluyen: Paraguas de plata; Figura Composición 6; y Estriado vudú.

ROY DECARAVA (1919-) Fotógrafo

existencia de Roy DeCarava en la ciudad de Nueva York lo preparó para su trabajo como fotógrafo. Comenzó como artista comercial en 1938 por sus estudios de pintura en la Cooper Union. Esto fue seguido por clases en el Centro de Arte de Harlem 1940-1942, donde se concentró en la pintura y el grabado. A mediados de la década de 1940, comenzó a utilizar la fotografía como un método conveniente de registrar las ideas para sus pinturas. En 1958, DeCarava renunció a su trabajo comercial y se convirtió en un fotógrafo independiente a tiempo completo. Edward Steichen comenzó a estudiar su obra y le sugirió que se aplica para una beca Guggenheim. Ganar este premio permitió DeCarava la libertad financiera para tomar sus fotos y contar su historia. Una de las fotografías de DeCarava de este cuerpo de trabajo apareció en la exposición de Steichen Familia del Hombre en el Museo de Arte Moderno. Más tarde, Langston Hughes trabajó con DeCarava para crear el libro Dulce papel matamoscas de la Vida.

DeCarava ha trabajado como fotógrafo para Deportes Ilustrados y enseñó fotografía en el Hunter College, Nueva York. Su obra se encuentra en numerosas colecciones importantes en todo Estados Unidos, incluyendo: Galería de Arte Andover, Andover-Academia Phillips, Massachusetts; Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois; Universidad de Atlanta, Atlanta, Georgia; Belafonte Enterprises, Inc. de Nueva York; Center for Creative Photography, Universidad de Arizona; la Corcoran Gallery of Art, Washington, DC; Harlem Art Collection, Nueva York State Office Building, Nueva York; Lee Witkin Gallery, Nueva York; Fundación Menil, Inc. de Houston, Texas; Metropolitan Museum of Fine Arts, Houston, Texas; El Museo de Bellas Artes de Houston, Texas; Museum of Modern Art, Nueva York; Cámara Olden, Nueva York; Joseph E. Seagram & Sons, Inc., Nueva York; y Memorial Galería de Arte Sheldon, Universidad de Nebraska, Nebraska.

DeCarava recibió una carrera distinguida en el Premio de Fotografía en 1991 de los Amigos de la Fotografía. Ese mismo año, la revista de la Sociedad Americana de Fotógrafos le hizo entrega de una mención especial para el periodismo fotográfico. DeCarava también ha recibido doctorados honorarios de El Instituto Maryland, Rhode Island Institute of Fine Arts, y la Universidad de Wesleyan.

BEAUFORD DELANEY (1910-1979) Pintor

Nacido en Knoxville, Tennessee, en 1910, Beauford Delaney fue descrito por su hermano mayor Samuel como un “niño muy obediente.” Por Beauford Delaney, el reconocimiento llegó por medio de un artista de ancianos blancos de Knoxville llamado Lloyd Branson. Branson le dio lecciones y, después de un tiempo, lo instó a ir a una ciudad en la que podría estudiar y entrar en contacto con el mundo del arte.

En 1924, Beauford Delaney fue a Boston para estudiar en la Escuela Normal de Massachusetts, después de estudiar en la Sociedad de Copley, donde tomó cursos de la tarde, mientras trabajaba a tiempo completo en la Escuela de Arte del Sur de Boston. Desde Boston, Delaney se trasladó a Nueva York.

Fue en Nueva York, que Delaney tomó en la vida de un bohemio, que vive en el pueblo en pisos de agua fría. Gran parte de su tiempo se dedicó a pintar los retratos de las personalidades de la época, tales como Louis Armstrong, Ethel Waters, y Duke Ellington. En 1938, Beauford Delaney ganó la atención nacional cuando Revista vida. en un artículo sobre “negros”, aparece una fotografía de él rodeado por un grupo de sus pinturas en la exposición anual al aire libre en Washington Square, en Nueva York. En 1945, Henry Miller escribió el ensayo “The Amazing e invariable Beauford Delaney,” que más tarde fue reimpreso en Recuerde que debe recordar. El ensayo describe el estilo de vida bohemio de Delaney en Nueva York durante los años 1940 y 1950.

En la década de 1950, Delaney salió de Nueva York con la intención de estudiar en Roma. Tomando el Ile de France, se embarcó a París, al lado de visitar Grecia, Turquía, el norte de Italia, pero nunca llegó a Roma. Volviendo a París para una visita más, Delaney comenzó a pintar, hacer nuevos amigos, y crear una nueva vida social llena de otras figuras artísticas. París se convertiría en el hogar permanente de Beauford Delaney.

En 1961, la producción de pinturas Delaney fue a un ritmo tan intenso que la presión comenzó a llevar a su fuerza, y que sufrió su primer colapso mental. Fue confinado a una clínica en Vincennes, y su distribuidor y amigos cercanos comenzó a organizar su vida, con la esperanza de ayudar a aliviar algo de la presión. Sin embargo, el resto de su vida, Delaney era sufrir averías repetidas y en 1971 estaba de vuelta en un sanatorio, donde debía permanecer hasta su muerte en 1979.

AARON DOUGLAS (1899-1988) Pintor, ilustrador

Nacido en Topeka, Kansas, en 1899, Aaron Douglas logra una considerable eminencia como muralista, ilustrador, y académico. Como un hombre joven, Douglas estudió en la Universidad de Nebraska, Columbia University Teachers College y l’Academie Scandinave en París. Tuvo exposiciones unipersonales en las universidades de Kansas y Nebraska y también exhibió en Nueva York, en la galería de arte moderno. En 1939, Douglas fue nombrado a la facultad de la Universidad de Fisk y más tarde se convirtió en jefe de su departamento de arte.

Douglas murió el 2 de febrero de 1988. En 1992, la Universidad de Fisk abrió una nueva galería en su memoria. Douglas es considerado uno de los más importante pintor e ilustrador del “Negro Renacimiento”, ahora conocido como el renacimiento de Harlem. Los trabajos notables incluyen: murales en la Universidad de Fisk y en la rama Countee Cullen de la biblioteca pública de la ciudad de Nueva York; ilustraciones de los libros de Countee Cullen, James Weldon Johnson, Alain Locke, y Langston Hughes. Alexander Dumas, Marion Anderson, y Mary McLeod Bethune son algunos de los muchos afroamericanos que pintó o prestados en carbón.

DAVID CLYDE DRISKELL (1931) Pintor, historiador

Nacido en Eatonton, Georgia, en 1931, Driskell estudió en la Universidad de Howard y ganó su M. A. de la Universidad Católica de América en 1962. También estudió en la Escuela de Skowhegan de Pintura y Escultura y el Instituto Holandés de Historia del Arte. Ha sido profesor en Talladega College, Universidad de Fisk, Instituto de Estudios Africanos de la Universidad de Ife, en Nigeria, y la Universidad de Maryland en College Park.

Inmediatamente después de la muerte de Alonzo Aden, se pidió Driskell para dirigir la colección Barnett-Aden de Arte afroamericano. Ha sido comisario y montado importantes exposiciones de arte afroamericano incluidos 200 años de arte afroamericano, se muestra en los principales museos a audiencias en todo Estados Unidos.

Un recipiente de muchos premios, incluyendo el Premio John Hope y los premios de la Fundación Danforth, Federación Americana de las Artes y la Fundación Harmon, Driskell ha expuesto en la Galería Corcoran de Arte, Museo Nacional y Galería Nacional de Rodas en Salisbury, Rodesia. Los trabajos notables incluyen: Movimiento; La montaña; Todavía vida con el Gateleg Mesa; y Shango Gone.

ROBERT DUNCANSON (1817-1872) Pintor

Robert Duncanson era el hijo de una madre afroamericana y padre escocés-canadiense. Nacido en el estado de Nueva York en 1817, pasó gran parte de su infancia en Canadá. Durante su juventud, él y su madre se trasladó a Mt. Sana, Ohio, donde en 1840 la Sociedad de Ayuda de la libertad occidental, un grupo anti-esclavitud, recaudó fondos para enviarlo a Glasgow, Escocia, para estudiar arte. Volviendo a Cincinnati tres años más tarde, Duncanson publican en los periódicos locales como el propietario de un estudio de daguerrotipo. Continuó trabajando en su estudio daguerrotipo hasta 1855, cuando comenzó a dedicar todo su tiempo a la pintura. Al igual que en muchos artistas del paisaje de este tiempo, Duncanson viajó por los Estados Unidos dibujo sus composiciones a partir de las imágenes de la naturaleza antes que él. En 1853, hizo su segundo viaje a Europa, esta vez para visitar Italia, Francia e Inglaterra.

Aunque Duncanson era activo durante y después de la Guerra Civil, con la excepción de su pintura de Tío Tom y Eva, no hizo intentos de presentar la agitación que estaba teniendo lugar dentro de los Estados Unidos o las presiones sociales que experimentó. En septiembre de 1872, Duncanson sufrió una crisis mental grave y se suicidó en Detroit, Michigan. Los trabajos notables incluyen murales en el Museo Taft y Obispo Payne.

WILLIAM EDMONSON (1882-1951) Escultor

William Edmonson fue un cantero y escultor autodidacta. Nacido en Nashville, Tennessee, en 1882, se ganó la vida trabajando como un hospital trabajos menores ordenados y otros. Su trabajo fue descubierto por la señora Meyer Dahl-Wolfe, que tenía una amplia colección privada y trajo Edmonson a la atención del museo de arte moderno. Su trabajo fue recibido muy bien en una exposición de artistas autodidactas. En 1937 fue el primer afroamericano que tiene una exposición de una sola persona en el museo. coleccionistas privados y museos han comprado sus pocas esculturas.

Inspirado por pasajes bíblicos, Edmonson trabajó en lápidas y su escultura, lo que hizo en la piedra caliza, en la casa que compartía con su madre y su hermana hasta su muerte. Siguió viviendo solo y trabajar allí hasta su muerte en 1951. Los trabajos notables incluyen: Coro de niñas; León; y Crucifixión.

ELTON FAX CLAY (1909-1993) Ilustrador, escritor

Nacido en Baltimore en 1909, se graduó de la Universidad de Syracuse con un B.F.A. en 1931. Fue profesor en la Universidad Claflin 1935-1936 y fue instructor en el Centro de Arte de Harlem Comunidad de 1938 a 1939. Su obra ha sido expuesta en el Museo de Arte de Baltimore, 1939; Americano del negro Exposición de 1940; el Museo Metropolitano de Arte; y artes visuales Gallery, Nueva York, 1970. Los ejemplos de su trabajo están incluidos en alguna de las colecciones universitarias de la nación, incluyendo Texas Sur, la Universidad de Minnesota, y la Universidad del Estado de Virginia.

Publicaciones de fax incluyen: Las viñetas de África; Garvey; Diecisiete artistas negros; y Los artistas negros de la nueva generación. La Cartera y Negro Hermosa presenta su obra de arte, y ha escrito hashar, un libro sobre la vida de los pueblos de Asia central soviética y Kazajstán. Los trabajos notables incluyen: Trabajador siderúrgico; Etiopía viejo y nuevo; Los líderes negros contemporáneos; y A través de ojos negros.

Elton Fax murió en Queens, Nueva York, en mayo de 1993.

TOM FEELINGS (1933-2003) Illustrator

Nacido en Brooklyn, Nueva York, el 19 de mayo de 1933, Thomas sentimientos crecieron en el barrio de Bedford-Stuyvesant. Empezó a dibujar caricaturas a la edad de cuatro, y su obra de arte floreció bajo la guía de un artista afroamericano llamado Thipadeux que animó a los sentimientos para sacar a la gente de su barrio. Después de la secundaria, asistió a los dibujantes y Illustrators School en la ciudad de Nueva York con una beca de tres años. estudios de arte los sentimientos fueron interrumpidos por cuatro años de servicio para la Fuerza Aérea de EE.UU. en Inglaterra, pero tras la finalización de su servicio militar, continuó sus estudios de arte en la Escuela de las Artes Visuales de Nueva York.

Mientras que en la escuela de arte, sentimientos producen “Tommy viajeros en el mundo de la historia del negro”, una tira cómica publicada en Nueva York Edad, un periódico de Harlem. Completar la escuela de arte en 1961, Sentimientos comercializan su cartera de ganar asignaciones independientes y empezaron a trabajar con revistas de lectores principalmente afroamericano. En 1964, viajó a Los sentimientos Tema, una ciudad en Ghana, con otros afroamericanos alistados por el Kwame Nkrumah, entonces jefe de gobierno de Ghana, para ayudar a dirigir el nuevo país independiente hacia el futuro. África cambió el arte de los sentimientos en un nivel espiritual y estilística. En 1966, se vio obligado a abandonar cuando el gobierno cayó Nkrumah.

Mientras que servía como artista en residencia en la Universidad de Carolina del Sur, Sentimientos ha completado ilustraciones de dos libros. En 1993, se terminó de ilustraciones Alma mira hacia atrás en maravilla, un libro que recopila los poemas de muchos autores afroamericanos. Dos años más tarde, completó La travesía del Atlántico, que retrata el paso de barcos de esclavos procedentes de África en el hemisferio occidental. Ambos libros recibieron Coretta Scott King Premios de la Asociación Americana de Bibliotecas.

Los sentimientos se ha ganado muchos premios por sus ilustraciones, incluyendo dos premios por logros sobresalientes de la escuela de artes visuales, artistas visuales de becas y la Fundación Nacional para las becas de Artes y Servicios Distinguidos a los niños mediante la concesión del arte de la Universidad de Carolina del Sur de Nueva York (1991) . Sentimientos ha ganado tres Premios Coretta Scott King.

META VAUX WARRICK FULLER (1877-1968) Escultor

Meta Vaux Warrick Fuller era una parte del período de transición entre los artistas que eligieron para simular temas y estilos euro-americanos y los periodos artísticos posteriores. Sus temas afroamericanos de Los Miserables, expuesto en el Salón de París en 1903 y 1904, no se ajustaba a los gustos populares.

Nacido en 1877, en Filadelfia y estudió en la Escuela de Arte Industrial y de la Academia de Pensilvania, el interés de Fuller en la escultura la llevó a estudiar con Charles Grafly y en la Académie Colarossi en París con Rodin. Ella fue la primera mujer afroamericana para convertirse en un artista profesional.

Ella se casó y se instaló en el área de Boston, donde en el año 1910, la mayor parte de sus obras fueron destruidas por el fuego. El arte de Boston Club y la Fundación Harmon exhiben sus obras, y piezas representativas de su escultura se pueden encontrar en el Museo de Arte de Cleveland en la actualidad.

SAM GILLIAM (1933-) Pintor

Nacido en Mississippi en 1933, Sam Gilliam produce telas colgantes que se atan con pigmentos de color puro en lugar de matices o tonos. El artista racimos de estos pigmentos en diferentes configuraciones en caída, lienzos drapeado similar, dando el efecto, en las palabras de Hora Revista, de “secado de la ropa en una línea.” Sus lienzos se dice que son “como la de nadie, negro o blanco.”

Gilliam recibió su M. A. de la Universidad de Louisville y fue galardonado con la Fundación Nacional de Ciencias Humanas y Artes subvenciones. Ha tenido un solo hombre y colectivas en la Galería de Washington de Arte Moderno; Jefferson galería del lugar; Adams-Morgan Gallery en Washington, DC; la Galería de Arte de la Universidad de Washington, St. Louis, Missouri; el Museo velocidad, Louisville; el Museo de Arte de Filadelfia; el Museo de Arte Moderno; la Colección Phillips y Galería de Arte Corcoran, tanto en Washington, DC; el Museo de San Francisco del arte; el

Walker Art Center, Minneapolis, y el Museo Whitney de Arte Americano. Está representado en la colección permanente de más de cuarenta y cinco museos americanos.

Gilliam también se ha representado en varias exposiciones colectivas, incluyendo el Primer Festival Mundial de Artes Negras en Dakar, Senegal (1966), “El negro en el arte americano” en la UCLA (1967), y Anual de Arte Americano del Museo Whitney (1969).

De 1968 a 1970, su obra fue representada en exposiciones individuales en Washington, DC Jefferson Place, y en 1971 se presentó en una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York.

En 1980, Gilliam se encargó, con otros trece artistas, para diseñar el trabajo para la instalación en el Atlanta, Georgia terminal del aeropuerto, uno de los terminales más grandes en el mundo y el primero en instalar obras de arte contemporáneo en sus paredes para la visión pública. Los trabajos notables incluyen: acuarela 4 (1969); Heraldo (1965); Cambio del carrusel (1970); Mazda (1970); plantagenets de oro (1984); y Elemento de oro oro interior (1994).

TYREE GUYTON (1955-) Artista multimedia

Nacido en Detroit el 24 de agosto de 1955, Tyree Guyton ha transformado el bolsillo urbana deteriorada en los que ha pasado gran parte de su vida en un enorme proyecto de arte en curso que utiliza los escombros del paisaje urbano abandonado. Interesado en las artes desde una edad temprana, después de Guyton secundaria sirvió en el Ejército de EE.UU., y luego trabajó en Ford Motor Company desde hace varios años. También empezó una familia y en su tiempo libre tomó clases de arte.

En 1984, Guyton dejó su trabajo de lucha contra el fuego para convertirse en un artista de tiempo completo. Empezó a transformar el pequeño bloque de la ciudad en la que él y su esposa, Karen Smith, y sus varios hijos vivían. Su abuelo, una antigua casa del pintor, era a la vez una fuente de inspiración temprana y un colaborador esencial para el proyecto artístico de Guyton. Con pintura para casas ordinaria, juguetes viejos, bicicletas y otros objetos encontrados se salvaron de los montones de basura que afectan a la ciudad, la calle de Heidelberg Guyton transformó en una instalación de arte dinámico y único. Una casa de crack, una de las muchas residencias abandonadas en la calle, fue pintado en colores salvajes que desalentaban las ventas de medicamentos narcóticos que incluso los ataques de escuadrones de no haber sido capaz de detener. Un árbol fue clavado varias yardas de altura con bicicletas antiguas. lunares decorados de la calle, la propia casa del Guyton, y casi cada otra superficie disponible. La combinación de puntos, rayas, animado, modelado y re-invención de objetos desechados había sido inspirado por el estilo en el que la madre de Guyton había decorado su casa con un presupuesto ajustado, cuando él estaba creciendo.

Tan anunciada por la comunidad artística internacional, el arte de Guyton ha llegado periódicamente objeto de críticas, sin embargo. Otros residentes del barrio lado este de Detroit descartan los visitantes fuera de la ciudad y la alabanza laudatoria amontonados en el Proyecto Heidelberg por los críticos de arte y harken para los días de un césped perfectamente cuidado y el entorno más tranquilas. En el otoño de 1991, las excavadoras ciudad demolidas varias de las casas que tenía Guyton

RICHARD HUNT (1935-) Pintor, Escultor

Richard Hunt nació en Chicago en 1935 y comenzó su carrera formal después de estudiar en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, donde recibió varios premios.

Después de graduarse en 1957, Hunt se le dio la Beca Viajar James Nelson Raymond. Más tarde enseñó en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y en la Universidad de Illinois. De 1962 a 1963, se persiguió a su nave en una beca Guggenheim.

presentaciones en solitario de caza han aparecido en el Museo de Arte de Cleveland; Milwaukee Art Center; Museo de Arte Moderno; Instituto de Arte de Chicago; Springfield museo de arte, Massachusetts; Indianapolis Museum of Art; y un espectáculo patrocinado por U.S.I.S. a través de África, que fue organizado por el Museo de Arte de Los Ángeles afroamericano. Caza parte de la junta de gobernadores de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y la Escuela de Skowhegan de Pintura y Escultura; es un comisionado en el Museo Nacional de Arte, Washington, DC; y sirve en el comité asesor en el Centro Getty para la Educación en las Artes, de Malibu.

Sus obras se encuentran en el Museo de Arte Moderno, Nueva York; Cleveland Museum of Art, Ohio; Instituto de Arte de Chicago; Milwaukee Art Center; Baltimore Museum of Art; Martin Gallery, Washington, DC; Museo Nacional de Arte, Washington, DC; Museo Hirshhorn, Washington, DC; Museo de la Twentieth Century Art, Viena, Austria; la Galería Albright Knox, Buffalo, Nueva York; Museo Nacional de Israel, Jerusalén; Terry Dintenfass Gallery, Nueva York; Dorsky Gallery, Nueva York; Whitney Museum of American Art, Nueva York; y la Universidad de Howard. Él ha tenido muchas otras comisiones. Los trabajos notables incluyen: Hombre en un constructo vehicular (1956); Espacial lineal temático (1962); La persecución (1965); y Arqueo (1986).

JOSHUA JOHNSTON (1765-1830) Pintor

Activo entre 1789 y 1825, Joshua Johnston es la primera africana conocida retratista estadounidense desde el área de Baltimore. Al menos dos docenas de pinturas se han atribuido a este artista que fue catalogado como un “cabeza de familia sin color, pintor de retratos”. Se le aparece en los directorios de Baltimore en distintos lugares de estudio.

Se cree Johnston puede haber sido esclavizado de Charles Wilson Peale, el artista que también se conoce por haber iniciado una escuela de dibujo en Maryland en 1795; Johnston o puede simplemente haber conocido el artista y sus obras. En cualquiera de los casos, Johnston era más probable es autodidacta. Retratista en el estilo de la época, su trabajo ahora parece pintoresco. Sólo un sujeto negro se ha atribuido a él, Retrato de un clérigo. Los trabajos notables incluyen Retrato de Adelia Ellender, retrato de la señora Barbara Baker Murphy y Retrato de Mar del capitán John Murphy.

LARRY JOHNSON (1949-) Pintor, ilustrador, caricaturista editorial

Nacido en Boston, Massachusetts, en 1949, Larry Johnson asistió a la Escuela del Museo de Boston de Bellas Artes. Se convirtió en un ilustrador personal de El Boston Globe en 1968, donde cubrió muchas tareas, incluyendo bocetos sala de audiencias, eventos deportivos, de entretenimiento, dibujos animados Deportes y dibujos, y otras características. Johnson está sindicado nacionalmente a través de Universal Press Syndicate.

Barry Gaither, director del Centro Nacional de artistas afroamericanos en Boston, dice, “las obras de Johnson se pueden dividir horizontalmente entre ilustración comercial y las bellas artes, y verticalmente entre dibujos y pinturas en acrílico y acuarela.” Además de trabajar para el Globo, Johnson trabajó para la desaparecida Nacional Daily Sports, ha diseñado cubiertas de libros para Little Brown, y ha sido encargado por Pepsi Cola, la Almanaque de viejo granjero. la Liga de Fútbol Nacional, y Fortuna. entre otros. Más tarde abandonó el Globo a los trabajadores independientes y ejecutar su propia compañía, Ediciones Johnson, productor de impresiones de bellas artes y otros múltiples, tales como tarjetas de felicitación. Johnson fue galardonado con el Premio de dibujos animados Associated Press Editorial en 1985. Los trabajos notables incluyen Isla de sondeo; Arco iris; y Promesas.

En 1995, varios de fotografías de Johnson fueron incluidos en la exposición de seis artista titulado Nuevo Testamento, la cual fue organizada por la Galería Marc Foxx en Santa Mónica, California. El Leavin Gallery Margo en Los Ángeles también fue sede de una exposición de obras de arte de Johnson en 1995.

LESTER L. JOHNSON (1937) Pintor, Educador

Nacido en Detroit, Michigan, en 1937, Johnson asistió a la Universidad de Michigan, donde recibió una B.F.A. en 1973, y una M.F.A. en 1974. Es profesor en el Centro de Estudios Creativos, College of Art and Design, en Detroit, Michigan.

Sus obras se encuentran en numerosas colecciones que incluyen: el Instituto de Artes de Detroit; Osaka Universidad de Artes, Japón; Johnson Publishers y La Masonite Corp. Chicago; Sonnenblick-Goldman Corp. de Nueva York; Taubman Co. Inc. Bloomfield Hills, Michigan; y St. Paul Co. St. Paul, Minnesota.

Comisiones han incluido: Tapetes de urbanos, Detroit, 1974; Nueva Detroit Receiving Hospital, 1980; y Martin Luther King Community Center. Johnson ha expuesto en importantes instituciones como el Museo Whitney de Arte Americano Bienal, 1973; Exposición Nacional afroamericano, Instituto Carnegie, de Pittsburgh, Pennsylvania; la Academia Nacional de Diseño, Henry Ward Ranger invitación nacional, 1977; y la Galería Edward Thorp en la ciudad de Nueva York, 1994.

Entre sus premios se encuentran la Fundación Andrew W. Mellon Grant, 1982 y 1984; y un premio de reconocimiento, asociación del arte de la música afroamericana.

SARGENT JOHNSON (1888-1967) Escultor

Sargent Johnson, que ganó tres veces medalla de la Fundación Harmon como sobresaliente artista afroamericano de la nación, trabajó en los modismos estilizadas, muy influido por las formas de arte de África en la escultura, bajorrelieves murales, escultura de metal y cerámica.

Nacido en Boston en 1888, estudió en la Escuela de Arte de Worcester y se trasladó a la zona de la Bahía de San Francisco en 1915, donde sus profesores fueron Beniamino Bufano y Ralph Stackpole. Expuso en el San Francisco artistas Anual, 1925-1931; Fundación Harmon, 1928-1931, 1933; Art Institute of Chicago, 1930; Baltimore Museum, 1939; y el negro Exposición de América, Chicago, 1940. Fue recibido numerosos premios y reconocimientos.

Desde el principio de su carrera habló de su escultura como un intento de mostrar la “belleza natural y la dignidad de la pura americano del negro” y deseaba presentar “que la belleza no tanto para el hombre blanco como el propio Negro. . A menos que pueda interesar a mi carrera, estoy hundido”obras notables incluyen: Sammy; Esther; Dorado

murales Puerta Exposición Parque acuático; y Siempre libre. Murió en 1967.

WILLIAM HENRY JOHNSON (1901-1970) Pintor

William H. Johnson fue un pionero de África modernista estadounidense cuyo trabajo pasó de estudios de paisaje expresionista y abstracto de la flor influenciados por Vincent van Gogh, a los estudios de la vida negro en Estados Unidos, y finalmente a los estudios de la figura abstracta en forma de Rouault.

Nacido en Florence, Carolina del Sur, el 18 de marzo de 1901, estudió en la Academia Nacional de Diseño; Cabo Cod Escuela de Arte, bajo Charles Hawthorne; en el sur de Francia, 1926-1929, y Dinamarca y Noruega de 1930 a 1938. Las exhibiciones incluyen Fundación Harmon (medalla de oro en 1929); Aarlins, Dinamarca, 1935; Baltimore Museum, 1939; Exposición del negro norteamericano, Chicago, 1940. Produjo una sola persona muestra en Copenhague en 1935, y en la galería de los artistas, de Nueva York, en 1938. Los trabajos notables incluyen: Booker T. Washington; Hombre joven en chaleco; Pendiente de la cruz; y En un vuelo John Brown. Murió el 13 de abril de 1970.

BEN JONES (1942-) Pintor, Escultor

Ben Jones nació en Patterson, Nueva Jersey, en 1942, y estudió en la Escuela de Artes Visuales; Universidad de Nueva York, donde recibió una M.A .; el Instituto Pratt; la Universidad de Ciencia y Tecnología de Ghana; y la Nueva Escuela de Investigación Social.

Jones es un profesor de bellas artes en Jersey City State College. Como escultor, sus obras realizadas durante el apogeo del movimiento de Artes Negras en 1970 fueron emitidos en yeso a partir de modelos vivos y pintadas en los patrones de colores brillantes, se asemeja símbolos tradicionales africanos. Máscaras, los brazos y las piernas dispuestas en múltiplos o por separado parecen tener raíces en la ceremonia ritual africana y la magia.

Sus piezas se encuentran en colecciones tales como: el Museo de Newark; Studio Museum en Harlem; Howard University; y Johnson Publications, Chicago. Sus exposiciones han incluido: El Museo de Arte Moderno; Studio Museum en Harlem; Negro Festival Mundial de Artes, Lagos, Nigeria; Museo de Newark; Universidad de Fisk, Nashville, Tennessee, y otros.

Los premios de Jones han incluido subvenciones de la Fundación Nacional de las Artes; el Consejo de las Artes de Nueva Jersey; Delta Sigma Theta Sorority, y otros. Los trabajos notables incluyen: Cara cinco imágenes en blanco; Sacerdotisa del Soul; y Sin título (6 brazos).

KARL KANI (c.1968-) Diseñador de moda

Nacido Carl Williams, Kani estaba preocupado por el estilo en su juventud. Su sentido de la moda se convirtió en la primera notado en las calles de Flatbush, un barrio de Brooklyn, Nueva York. Mientras sus compañeros estaban comprando ropa de última moda, Williams fue la compra de material ocupado que después proyectará en varios sastres, dándoles instrucciones para hacer prendas de vestir exactamente cómo quería a un precio relativamente pequeño. A medida que pasaba el tiempo, las personas que habían visto a Williams en una de sus “originales” querían que sus propias ropas hechas a la orden. Williams comenzó a tomar pedidos y el suministro de la demanda.

Mientras trabajaba en las estaciones de deporte en el centro sur de Los Angeles, Williams desarrolló el nombre Kani, en base a la pregunta “¿Puedo?”, Como en “¿Puedo hacerlo?” En 1989, Kani se reunió Carl Jones, co-fundador de Temas 4 Life . Jones, que ya había demostrado su capacidad para vender ropa con su cruz línea de colores, accedió a ayudar a llegar Kani sus diseños a la opinión pública. En 1992, la línea de ropa Kani había añadido aproximadamente $ 35 millones de dólares a los hilos de margen de ganancia 4 Life. Desacuerdos con Hilos 4 Life finalmente llevaron Kani aventurarse por su cuenta.

Kani comenzó “Karl Kani Infinity” en 1994. Si bien la competencia para la ropa de hip hop había vuelto feroz, kani vio potencial en el mercado que antes eran ignorados. estrellas del rap como Tupac Shakur comenzó a usar sus diseños, la difusión del nombre de Kani. En 1995, sus diseños se venden en más de trescientas tiendas a nivel nacional.

JACOB LAWRENCE (1917-2000) Pintor

Nacido el 7 de septiembre de 1917, en Atlantic City, Nueva Jersey, Jacob Lawrence recibió su primera formación en la Escuela de Arte de Harlem y la Escuela artista estadounidense. Trabajó bajo la dirección de artistas como Charles Alston, Henry Bannarn, Anton Refregier, Sol Wilson, Philip Reisman, y Eugene Moreley. Su ascenso a la fama fue introducida por su pintura de varias series de paneles biográficos que conmemoran episodios importantes de la historia afroamericana. Un pintor narrativo, Lawrence crea la “filosofía del Impresionismo” dentro de su obra. Capturar el significado y la personalidad detrás de la apariencia natural de un momento histórico, Lawrence crea una serie formal de varias docenas de pequeñas pinturas que se relacionan con el transcurso de un evento histórico particular en la historia de Estados Unidos, tales como La serie de Migración ( “Y los migrantes siguen llegando”), que traza la migración de los afroamericanos desde el sur hacia el norte, o la discusión sobre el curso de la vida de un hombre (por ejemplo Toussant Louverture y John Brown).

Lawrence es un historiador estadounidense visual. Sus pinturas registran afroamericano en el comercio, el teatro, los hospitales mentales, barrios, o correr en las carreras olímpicas. las obras de Lawrence se encuentran en colecciones en el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno, Museo Whitney de Arte Americano, el Museo Nacional de Arte Americano y el Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut.

Lawrence vive en Seattle, Washington. Sus obras notables incluyen: La vida de Toussaint Louverture (Cuarenta y uno paneles, 1937); La vida de Harriet Tubman (Cuarenta paneles, 1939); y El negro migración hacia el norte en la Primera Guerra Mundial (sesenta paneles, 1942). También ha producido encargados ilustraciones de libros y revistas, murales, carteles, dibujos y grabados. Entre ellas se encuentran una impresión de 1976 para el Bicentenario EE.UU., ilustraciones para una edición especial de 1983 del libro de John Hersey Hiroshima y un cartel 1984 de la Liga Nacional Urbana.

En 1970, Lawrence fue galardonado con la medalla de Spin-garn de la NAACP. Recibió una invitación para pintar la toma de posesión 1977 de Jimmy Carter. El presidente George Bush concedió a Lawrence la Medalla Nacional de las Artes en 1990. También es el receptor de numerosos títulos honorarios.

Lawrence escribió e ilustró el libro La gran migración: una historia americana en 1993.

HUGHIE LEE-SMITH (1915-2000) Pintor

Hughie Lee-Smith nació el 20 de septiembre de 1915, en Eustis, Florida. Estudió en el Instituto de Arte de Cleveland y la Universidad Estatal de Wayne, donde recibió su B. S. en la educación artística en el año 1953.

Desde la infancia, Lee-Smith se animó a dedicarse a su arte, y ha disfrutado de una larga carrera. Trabajó para la administración del progreso de Ohio Works y la fábrica de Ford en River Rouge durante los años 1930 y 1940. Él hizo una serie de litografías y pinturas murales en la Base Naval de los Grandes Lagos en Illinois. Él enseñó arte en Karamu casa en Cleveland, la memoria de la guerra Grosse Pointe en Michigan, Princeton País

Day School, Universidad de Howard, la Liga de Estudiantes de Arte, y otras instituciones.

Las obras de Lee-Smith se pueden ver en museos, escuelas, galerías y colecciones de todo Estados Unidos, incluyendo el negro Exposición de América, Chicago; Centro de Arte Southside Comunidad; Galería de Snowden; Mercado Artistas Detroit; Cleveland Museum of Art; Museo Whitney de Arte Americano; Museo de Arte Moderno; el Kelly Gallery de junio la ciudad de Nueva York, y la Colección Evans-Tibbs, Washington, DC. Sus ambientes son a menudo pintadas de ambientes decadentes o gueto en un estado de revitalización poblado por una sola o, a veces doble figurado ocupante. Sus temas sugieren desolación o la alienación, pero con pancartas o globos en la escena contrarrestar la expresión en su simbolismo de esperanza y alegría.

espectáculos y exposiciones individuales de Lee-Smith son numerosos. Ha recibido más de una docena de importantes premios como el Premio Fundadores del Instituto de Artes de Detroit (1953), Premio Emily Lowe (1957, 1985), Premio Ralph Fabri, Audubon Artistas, Inc. (1982), y el Premio binny Smith ( 1983), y el Premio Memorial Len Everette, Audubon Artistas, Inc. (1986). Él es un miembro de la Allied Artists of America, la Academia de Michigan de las Artes, Ciencias & Cartas, y la Asociación de equidad artistas. Los trabajos notables incluyen: Retrato de un marinero; El viejo y la juventud; Waste Land; Poco Diana; y Secuelas.

EDMONIA LEWIS (1845-1890) Escultor

Edmonia Lewis fue la primera artista femenina negro de Estados Unidos y también el primero de su raza y sexo para ser reconocido como un escultor. Nacido el 4 de julio, 1845 Albany, Nueva York, que era la hija de una mujer india Chippewa y un hombre afroamericano libre. De 1859 a 1863, bajo el patrocinio de una serie de abolicionistas, fue educada en el Oberlin College.

Después de completar sus estudios, Lewis se trasladó a Boston, donde estudió con Edmund Brackett e hizo un busto del Coronel Robert Gould Shaw, el comandante del primer regimiento negro organizada en el estado de Massachusetts durante la Guerra Civil. En 1865, se trasladó a Roma, donde pronto se convirtió en un destacado artista. Volviendo a los Estados Unidos en 1874, cumplió muchas comisiones incluyendo un busto de Henry Wadsworth Longfellow que fue ejecutado por la Biblioteca de la universidad de Harvard.

Sus trabajos son buenos ejemplos de la escultura neoclásica que estaba de moda durante su vida. Se cree que murió en Roma en 1890. Los trabajos notables incluyen Agar en el desierto, siempre libre, y Hiawatha.

NORMAN LEWIS (1909-1979) Pintor

Norman Lewis nació en la ciudad de Nueva York en 1909. Estudió en la Universidad de Columbia y bajo Augusta Savage, Raphael Soyer, Vaclav Vytacil, y Angela Streater. Durante la Gran Depresión que enseñó el arte a través del Proyecto de Arte Federal de 1936 a 1939 en el Centro de Arte de Harlem. Recibió un Premio Internacional Carnegie de Pintura en 1956 y ha tenido varias exposiciones individuales en la galería de Willard en Nueva York.

Como uno de los artistas para desarrollar el movimiento abstracto en los Estados Unidos, Lewis participó en muchas exposiciones colectivas en instituciones como el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo Metropolitano de Arte, y el Instituto de Arte de Chicago. Los trabajos notables incluyen Llegada e ida y Tarde heroica.

GERALDINE MCCULLOUGH (1928) Escultor

acero y cobre abstracción de Geraldine McCullough Fénix ganó la medalla de oro George D. Widener en la exposición 1964 de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. En la obtención de este premio, agregó su nombre a una lista de artistas que ya han ganado el mismo honor que incluye Jacques Lipchitz y Theodore Roszak.

Un nativo de Arkansas, McCullough ha vivido en Chicago desde que tenía tres años de edad y se graduó en 1948 del Instituto de Arte de la ciudad. También estudió en la Universidad de Chicago, la Universidad DePaul, Northwestern University y la Universidad de Illinois.

McCullough enseñó en Wendell Phillips Secundaria 1950-1964 en Chicago y en Rosario College en River Forest, Illinois. Actualmente, trabaja y reside en Oak Park, Illinois. Ella ha recibido muchos premios y comisiones. Sus obras están representadas en las colecciones de la Universidad de Howard; en Oak Park, Illinois; el Museo de Oakland, California, y muchos otros. Los trabajos notables incluyen: Bessie Smith; Vista desde la Luna; Frente Todd Hall; Rose atómica; Fénix; y Martin Luther King.

Geraldine McCollough es un reconocido escultor y pintor. Nació el 1 de diciembre de 1922, en Kingston, Arkansas, y se crió en Chicago desde el momento en que ella tenía tres años. McCullough estudió en el Instituto de Arte de Chicago para los estudios de grado y posgrado, recibiendo un B. A. en 1948 y un M. A. en la educación artística en 1955. Como estudiante, obtuvo una beca John D. Standecker, una beca de Memorial y una citación Figura Pintura. Después de completar sus estudios de grado, McCullough enseñó arte en la Escuela Secundaria Wendell Phillips en Chicago. Ella también comenzó a exhibir sus cuadros en varias galerías nacionales, recibiendo el primer premio en 1961 en la Exposición de Arte de la Universidad de Atlanta. Con la ayuda de su marido, Lester McCullough, ella tomó la escultura soldada e hizo su debut en la escultura en 1963 en la Exposición del Siglo del Progreso Negro en Chicago. Recibió la medalla de oro George D. Widener de Escultura en 1965 por su estructura de acero y cobre, Fénix. En 1967, se convirtió en el presidente del Departamento de Arte de Rosario College (más tarde Universidad Dominicana) en River Forest, Illinois. Tras su retiro de la escuela en 1989, se le dio un doctorado honorario. varias obras de McCullough son informados por el arte ritual africano a las influencias europeas y americanas. Ha sido artista invitado distinguido del gobierno ruso y su obra ha sido expuesta en este tipo de instituciones respetadas como el Instituto Smithsonian en Washington, DC y el Museo Nacional de la Mujer. McCullough se basa en Oak Park, Illinois.

IONIS BRACY MARTIN (1936-) Pintor, grabador, Educador

Nacido el 27 de agosto de 1936, en Chicago, Illinois, Ionis Bracy Martin asistió a la escuela de secundaria del Instituto de Arte de Chicago antes de ir a la Universidad de Fisk, donde estudió con Aaron Douglas y obtuvo su B. S. en 1957. Martin recibió una maestría en educación grado de la Universidad de Hartford (1969) y un M.F.A. del Instituto Pratt, Brooklyn, Nueva York (1987). Ella es un administrador de la Wadsworth Atheneum, 1977, co-fundador de los artistas colectivos (con Jackie McLean, Dollie McLean, Paul Brown, y Cheryl Smith), 1972, co-administrador y presidente de la Ella Burr McManus Fiduciario para el Alfred E. Burr escultura Mall, 1985, y miembro de la junta consultiva de la Galería Craftery CRT, Hartford, 1973.

Exponer en el área de Hartford, Martin también ha sido expuesta en Nueva York; Springfield, Boston, y Northampton, Massachusetts; Universidad de Fisk, Nashville, Tennessee; y la Universidad de Vermont, Burlington, Vermont. Entre sus muchos premios y honores son una subvención de la Comisión de Connecticut de las Artes (1969); una beca graduado en Grabado, Pratt Institute (1981); Un verano y seis Beca de Skidmore College (1987); y una beca con el W.E.B. Du Bois Instituto de la Universidad de Harvard (1994).

Martin ha sido un maestro en Weaver y Bloomfield Escuelas Secundarias desde 1961 y profesor en el arte afroamericano en la Central Connecticut State University desde 1985. Martin también conferencias sobre y demuestra la serigrafía. Los trabajos notables incluyen: Madre e hijo; Jardín de Allyn; Jardín de papá Gran’; y Mujercitas de la Amistad: Serie.

EVANGELINE J. MONTGOMERY (1933-) Joyero, fotógrafo, escultor

Evangeline Montgomery nació en la ciudad de Nueva York el 2 de mayo de 1933. Recibió un título de asociado de Los Angeles City College en 1958 y su B.F.A. de la Facultad de Artes y Oficios de California en 1969 y también estudió en la Universidad de California, Berkeley y la Universidad del Estado de California.

Montgomery ha trabajado como artista independiente; un consultor de arte a museos, organizaciones comunitarias y universidades para EJ Asociados; y director del programa de Artes Latina. Conocido sobre todo por sus cajas de metal, incensarios, y joyas, Montgomery también ha sido galardonado con premios por su fotografía. Sus obras se encuentran en colecciones en el Museo de Oakland y la Universidad del Sur de Illinois.

Activa con muchas organizaciones, Montgomery ha sido miembro de la Comisión de Arte de San Francisco, la junta consultiva de su separación de Etnohistoria Museo, y el consejo de administración del Museo del Centro Nacional de Artistas afroamericanos. En la actualidad es miembro del Capítulo de Michigan de la Conferencia Nacional de Artistas, el College Art Association, la Asociación de Museos de América, y de la Mujer Arte Caucus. Montgomery también está en la junta directiva del Distrito de Columbia Centro de las Artes.

Sus premios incluyen una beca Smithsonian y una subvención del museo de la Fundación Nacional para las Artes. En 1989, Montgomery se presentó con un Premio al Logro Especial de Artes Latina. Los trabajos notables incluyen Caja ancestro 1 y Justicia para Angela Davis.

ARCHIBALD MOTLEY (1891-1980) Pintor

Nacido en Nueva Orleans en 1891, el talento artístico de Motley fue evidente en el momento en que asistió a la escuela secundaria. Su padre quería que fuera médico, pero Archibald insistió en el arte y la educación formal comenzó en el Instituto de Arte de Chicago. Durante este tiempo trabajó como obrero, que entra en contacto con los derivadores, captadores, y buscavidas que ahora están inmortalizados en sus escenas de calle. Sus escenas de género son muy estilizada y colorida ya menudo están asociados con el Cubo de la basura la escuela de arte, un estilo popular en la década de 1920.

En 1928, Motley tuvo una exposición individual en el centro de Nueva York y se convirtió en el primer artista, negro o blanco, para hacer la portada de la New York Times. Se le concedió una beca Guggenheim en 1929 y estudió en Francia. Él era el destinatario de un premio de la Fundación Harmon para un retrato anterior, más literal. Los trabajos notables incluyen: El Jockey Club; Los trazadores; Escena parisina; Cinta negra; y Antiguo Tabaco Osa Mayor. Motley murió en 1980.

JOHN WILFRED OUTTERBRIDGE (1933-) Escultor

John Wilfred Outterbridge nació en Greenville, Carolina del Norte, el 12 de marzo de 1933. Estudió en Carolina del Norte Un&Camiseta de la universidad en Greensboro; la Academia de Arte de Chicago; la American Academy of Art, Chicago; y el Centro de Diseño de la Escuela de Arte, Los Ángeles.

Obra de arte - Wikipedia

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Desde 1964 hasta 1968, Outterbridge trabajó como artista / diseñador para el Traid Corporation. Trabajó como director artístico y co-fundador de la Academia de Artes comunicativas desde 1969 hasta 1975. También ha sido profesor de la Universidad del Estado de California y Pasadena Art Museum. Outterbridge fue director del Centro de Arte de las torres Watts, Los Ángeles, desde 1976 hasta 1992.

esculturas de Outterbridge son ensamblajes construidos a partir de materiales de desecho. Algunas de sus obras son homenajes a los ancestros africanos y sus descendientes en Los Angeles y en otras comunidades. Outterbridge es conocido por hacer y ayudar a crear “Arte en la calle”, una combinación de pintura, escultura en relieve, y la construcción que incorpora palabras y símbolos que expresan metas de la comunidad y las ideas sociales.

Outterbridge fue presentado en Los artistas negros en el arte. Volumen I (Selma Lewis / Ruth Waddy, Los Angeles Contemporary Crafts, 1971, 1976). Los trabajos notables incluyen: Caja de limpieza de calzado; Mood Ghetto; y Grupo herencia étnica.

En 1990, Outterbridge fue galardonado con el Premio Libertad Malcolm X por la Organización Popular de Nueva Afrika y el Premio a la Trayectoria de la Primera Anual King Blvd. Proyecto Memorial. El Fondo Nacional de las Artes otorgado Outterbridge con su beca de Artes Visuales en 1994. Ese mismo año, se le otorgó un doctorado honorario en bellas artes por la Universidad Otis de Arte y Diseño y el J. Paul Getty Beca de Artes Visuales.

GORDON PARKS (1912-2006) El fotógrafo, compositor, escritor, director

Parques nació el 30 de noviembre de 1912, en Fort Scott, Kansas. Después de la muerte de su madre, Parques fue a St. Paul, Minnesota para vivir con sus parientes. Asistió a las escuelas secundarias Central y artes mecánicas. A pesar de tener recuerdos de la infancia recuerdos de su padre en la granja familiar, Parques tuvo una crianza disfuncional. Trabajó en una variedad de trabajos incluyendo conserje, ayudante de camarero, y el jugador de baloncesto semiprofesional. Siempre interesado en las artes, Parques También probamos la escultura, la escritura y de gira con una banda, pero estos esfuerzos artísticos fueron en gran parte sin foco.

En 1933, Parques unió al Cuerpo de Conservación Civil y a finales de 1930, mientras trabajaba como camarero en los ferrocarriles, se interesó por la fotografía como un medio en el que por fin se podía concentrar sus intereses artísticos. Después de comprar una cámara usada, Parques trabajó como fotógrafo independiente y como reportero gráfico. En 1942, se convirtió en un corresponsal de la Farm Security Administration, y desde 1943 hasta 1945 fue corresponsal de la Oficina de Información de Guerra. Después de la guerra trabajó para la Standard Oil Company de Nueva Jersey, y en 1948 se convirtió en un fotógrafo de Vida revista. Pronto se logra reconocimiento nacional por sus fotografías y, a mediados de 1950 comenzó a hacer trabajo de consultoría en las producciones de Hollywood. En la década de 1960 Parques comenzó a hacer documentales de televisión, y en 1966 publicó su biografía Una elección de las armas.

Parques es también el autor de los siguientes títulos: Fotografía con flash (1947); Retratos de la cámara: Las técnicas y principios de retrato documental (1948); El árbol de Aprendizaje (1963); Un poeta y su cámara (1968); Nacido Negro (1971); Gordon Parks: Susurros de cosas íntimas (1971); Momentos sin nombres propios (1975); Flavio (1977); Smile en otoño (1979); Shannon (1981); Voces en el espejo (1990); y Arias en silencio (1994). En 1968 Parques produjo, dirigió y escribió el guión y música para la producción de la película de El árbol de aprendizaje. Parks también dirigidas y anotaron las siguientes películas: Eje (1971); Big Score de eje (1972); Las Súper Policías (1974); Leadbelly (1976); Odisea de Solomon Northrup (1984); y Momentos Sin Nombres Propios (1986).

Parques es un recipiente del premio de la NAACP Spingarn (1972), la Rhode Island School of Fellow Award presidentes de Diseño (1984), y de Kansas del Año (1986). En 1988 el presidente Ronald Reagan le hizo entrega de la Medalla Nacional de las Artes. Ese mismo año, Parques ganó el premio World Press Foto. En 1989, fue galardonado con la Biblioteca del Congreso Nacional de Cine Clásicos Registro honor a la película para El árbol de aprendizaje. También se presentó con el Premio del Alcalde de Nueva York y el artista del Mérito Josef Sudek medalla en 1989.

Parques es un miembro de la NAACP, la Liga Urbana, Newspaper Guild, Asociación de Compositores y Directores, Guild, AFTRA, ASCAP del escritor, de la Sociedad Internacional Mark Twain, Instituto Americano de Cine, Academia de las Artes y las Ciencias y la Sociedad Americana de la revista fotógrafos.

El 7 de julio de 1995, la Biblioteca del Congreso anunció que había adquirido los archivos de Gordon Parks. Los archivos incluyen aproximadamente 15.000 páginas manuscritas de poemas, novelas y guiones de Parques, así como varios miles de fotografías y negativos.

MARION PERKINS (1908-1961) Escultor

Nacido en Marche, Arkansas, en 1908, Perkins fue un artista autodidacta. Sus primeras obras fueron compuestas mientras tendía un quiosco en el lado sur de Chicago. Más tarde estudió en privado con Simon Gordon mientras los dos hombres se convirtieron en amigos cercanos.

El trabajo de Perkins ha sido expuesta en el Instituto de Arte de Chicago, Negro American Exposition (1940), Universidad de Xavier, y Rockland College, Illinois (1965). Como artista en residencia en el Jackson State College en Mississippi, donde gran parte de su escultura se aloja, Perkins fundó un fondo de becas para estudiantes de arte. Perkins murió en 1961.

HOWARDENA PINDELL (1943-) Pintor

Nacido en Filadelfia el 14 de abril de 1943, recibió una Howardena Pindell B.F.A. de la Universidad de Boston en 1965 y un M.F.A. de la Universidad de Yale en 1967. Ella primero ganó el reconocimiento nacional por su exposición 1969 “American XXIII Bienal de Dibujo” en el Museo de Norfolk de las Artes y las Ciencias de Virginia. A mediados de la década de 1970, el trabajo de Pindell comenzó a aparecer en exposiciones tales como “Once americanos en París,” Gerald Piltzer Gallery, París, 1975; “Las adquisiciones recientes; Dibujos,”Museo de Arte Moderno, Nueva York, 1976; y “Pindell: Video Dibujos”, Sonja Henie Onstad Fundación, Oslo, Noruega, 1976.

Pindell comenzó a viajar por todo el mundo como un orador invitado. Algunos de sus conferencias incluyen “Negro americano y actual American Art: análisis histórico” en Madras College of Arts and Crafts, Madras, India, 1975; y “artistas negros, EE,” Academia de Arte, Oslo, Noruega, 1976. En la actualidad es profesor de arte en la Universidad Estatal de Nueva York en Stony Brook.

Su obra forma parte de la colección permanente de más de treinta museos, incluyendo el Museo de Brooklyn, de alta

Museo en Atlanta, Newark Museo Fogg Museum de Cambridge, Massachusetts, Whitney Museum of American Art, Museo de Arte Moderno y el Museo Metropolitano de Arte. Pindell ha recibido dos Fondo Nacional de las Artes Becas y una beca Guggengeim.

Pindell ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera. En 1990, ganó el Premio College Art Association for Mejor Expositor. Ella recibió el Studio Museum en Harlem y Premio Joan Mitchell Fellowship en 1994. En 1996, el Caucus de Mujeres para el Arte presenta Pindell con su contribución distinguida a la concesión profesión.

JERRY PINKNEY (1939-) Illustrator

Nacido en Filadelfia el 22 de diciembre de 1939, Jerry Pinkney estudió en el Philadelphia College Museum of Art. Pinkney ha exhibido en exposiciones ilustrador en todo el país y es mejor conocido por sus ilustraciones para niños y libros de texto.

A partir de su estudio en su casa en Croton-on-Hudson, Nueva York, Pinkney ha sido un importante contribuyente a sellos del Servicio Postal de EE.UU. en la serie Heritage Negro. Benjamin Banneker, Martin Luther King, Jr. Scott Joplin, Jackie Robinson, Sojourner Truth, Carter G. Woodson, Whitney Moore jóvenes, Mary McLeod Bethune, y Harriet Tubman sellos fueron diseñados por Pinkney.

Un recipiente de muchos honores, ha creado ilustraciones de libros infantiles como Los huevos Hablar. escrito por Robert San Souci; ganado una medalla Caldecott Honor del (segundo tanto honor de Pinkney) en 1989, recibió un premio Coretta Scott King Libro de Honor; fue nombrado un libro notable Asociación Americana de Bibliotecas; y ganó el premio Negro Irma Simonton desde el Bank Street College de Educación. En 1994, Pinkney ganó la medalla Caldecott por sus ilustraciones en el libro John Henry. Ese mismo año, ganó dos premios de los padres elección para el libros John Henry y La excursión de domingo.

Pinkney ha trabajado en Boston como diseñador e ilustrador. Es uno de los fundadores de Kaleidoscope Studio en Boston, donde también trabajó para el Centro Nacional de Arte afroamericana. También fue un crítico de visitar por la Escuela de Diseño de Rhode Island. Ha sido profesor en el Instituto Pratt, la Universidad de Delaware, y en el Departamento de Arte de la Universidad Estatal de Nueva York en Buffalo. Los trabajos notables incluyen: Los cuentos de Tío Remus, publicado por marcación Brooks; Call It Courage, escrito por Armstrong Sperry y publicado por Aladdin Books; Autorretrato; y Vuelve a la portada, escrito por su esposa, Gloria Jean Pinkney.

HORACE PIPPIN (1888-1946) Pintor

Horace Pippin ha sido clasificado en compañía de Henri Rousseau, debido a su realización como artista autodidacta. Nacido el 22 de febrero de 1888, en West Chester, Pennsylvania, Pippin comenzó a pintar en 1920, y continuó hasta su muerte el 6 de julio de 1946. Entre sus obras más vívidos son escenas de batalla que él recordaba de su propia experiencia en la Primera Guerra Mundial

Las primeras obras de Pippin son diseños grabados en la madera con un hierro caliente. Él no hizo su primera pintura al óleo hasta 1930. Esta tarea se complicó por su lesión en tiempos de guerra; que tenía que guiar el brazo derecho con la mano izquierda con el fin de pintar. Pintó reuniones familiares, historias bíblicas, y los acontecimientos históricos. Los trabajos notables incluyen: John Brown va a un colgante; Flores con la silla roja; La guarida; El hombre de la leche de Goshen; y Lucha de perro sobre las trincheras.

JAMES A. PORTER (1905-1971) Historiador del Arte, Pintor

James A. Porter fue un pintor que también ganó el reconocimiento como escritor y educador. Nacido en Baltimore en 1905, estudió en la Universidad de Howard recibir un B. S. en 1927; Art Students League de Nueva York; Sorbona; y recibió un M. A. de la Universidad de Nueva York. Fue galardonado con numerosas bolsas de viaje que le permitió estudiar de primera mano el arte europeo y africano.

Entre sus diez exposiciones individuales son objetos expuestos en Puerto Príncipe, Haití, 1946; Dupont Gallery, Washington, DC, 1949; y la Universidad de Howard, 1965. Sus obras se encuentran en las colecciones de la Universidad de Howard; Lincoln University, Missouri; Fundación Harmon; IBM; y otros. El primer historiador del arte afroamericano, escribió Negro Art Modern (1943), así como numerosos artículos. En 1953, se convirtió en presidente del Departamento de Arte y director de la Galería de Arte de la Universidad de Howard, una posición que mantuvo hasta su muerte. Fue delegado a la Conferencia de la UNESCO en África, celebrada en Boston en 1961, y en el Congreso Internacional de Arte Africano y Cultura en Salisbury, Rhodesia del Sur, 1962. En 1965, en el vigésimo quinto aniversario de la fundación de la Galería Nacional de arte, fue nombrado “uno de los hombres de Estados Unidos más sobresaliente de las Artes” Sus obras notables incluyen: En un autobús cubana; Retrato de F. A. como Harlequin; Dorothy Porter; y Desnudo.

MARTIN PURYEAR (1941-) Escultor

Martin Puryear nació en Washington, DC, en 1941. Estudió en la Universidad Católica de América y recibió una M.F.A. de la Universidad de Yale en 1971. Ha estudiado en Suecia y trabajado en Sierra Leona con el Cuerpo de Paz 1964-1966.

En representación de los Estados Unidos en el 1989 Bienal de Sao Paulo en Brasil, recibió el primer premio. Su trabajo ha sido descrito como post-minimalista, pero realmente desafía la categorización. Puryear ejecuta sus propias piezas grandes de madera y metal.

Puryear era el único artista afroamericano en la sección contemporánea de la exposición “Primitivismo en el arte del siglo XX: Afinidad del tribal y moderno” en el Museo de Arte Moderno de 1984; sus otros objetos expuestos incluyen el Museo de Brooklyn de 1988 a 1989, la Bienal Whitney, 1989, y galerías de Nueva York, desde 1987.

Puryear estudió en Japón en 1987 con una beca Guggenheim. Los trabajos notables incluyen: Para Beckwith; Desire Maroon; y Sentinel. Sus obras desde 1985 han sido sin título.

FAITH RINGGOLD (1930-) Pintor, artista de fibra

Comprometidos con una perspectiva revolucionaria, tanto en la política como en la estética, Faith Ringgold es un expresionista simbólica cuyas pinturas Stark son actos de reforma social dirigidas a la educación de la conciencia de su audiencia. Su más intensa atención se ha centrado en los problemas de ser negro en América. Sus obras ponen de manifiesto las tensiones violentas que desgarran la sociedad americana incluyendo la discriminación que sufren las mujeres. Anillo de oro es también conocida por sus edredones historia distintivos. Estas colchas cuentan con pinturas sobre lienzo que están bordeadas con tejidos acolchados y tiras escritas a mano de tela blanca que contienen historias fantasiosas.

Nacido en Harlem el 8 de octubre de 1934, fue criada por padres que se aseguró de que ella disfrutaría de los beneficios de una buena educación. Ella recibió su B. S. en 1955 y su M.F.A. en 1959 de la universidad de la ciudad de Nueva York. Es profesora de Arte en la Universidad de California en San Diego.

trabajar de forma decidida política de Ringgold ha sido ampliamente demostrado. Desde 1968 ha tenido varios espectáculos unipersonales y sus pinturas están incluidas en las colecciones del Banco Chase Manhattan, Ciudad de Nueva York; el Museo de Arte Moderno, el Colegio calle del banco de Educación, Ciudad de Nueva York; y el Museo Solomon R. Guggenheim.

En 1972, Ringgold convirtió en uno de los fundadores de las mujeres estudiantes y artistas para la Liberación Negro, una organización cuyo objetivo principal es asegurarse de que todas las exposiciones de artistas afroamericanos dan igual espacio a cuadros de los hombres y las mujeres. En línea con su interés por la paridad sexual, que ha donado un gran mural que representa el papel de la mujer en la sociedad estadounidense a Casa de la Mujer de detención en Manhattan.

Su primera colcha Ecos de Harlem, Tar Beach se completó en 1980. Otros edredones producidos por Ringgold

incluir El girasol abeja que acolcha en Arles, y ¿Quién tiene miedo de la tía Jemima. En 1991, ilustró y escribió un libro para niños Alquitrán en playas. Este libro fue seguido en 1992 por Ferrocarril subterráneo de la tía Harriet en el cielo. obras artísticas notables incluyen: La bandera es de sangrado; Bandera de la Luna; Die Nigger; mamá & Papi; y La hermana del alma, la mujer en un puente.

Ringgold ha recibido varios premios por su trabajo, incluyendo doctorados honorarios de Moore Colegio de bellas artes, Wooster College, Massachusetts College of Art, y el City College of Art. En 1996, recibió un premio del Museo Nacional de Mujeres en las Artes.

BETYE SAAR (1926-) Pintor, Escultor

Betye Saar nació en California el 30 de julio de 1926. Fue a la universidad, se casó y crió a sus hijos, todo ello mientras la creación de obras de arte construida sobre piezas desechados de los sueños, tarjetas postales, fotografías, flores, botones, ventiladores y talones de boletos viejos . Sus motivos van desde el fetiche al objeto cotidiano. En 1978, Saar era uno de un grupo selecto de artistas mujeres americanas que se tratarán en un documental titulado Spirit Catcher: El arte de la Betye Saar. Apareció en WNET-13 en Nueva York como parte de “The Originals: Mujeres en el arte” serie. Sus exposiciones incluyen una pieza de instalación especialmente diseñada para el Studio Museum en Harlem en 1980, y varias exposiciones individuales en la Galería Monique Knowlton en Nueva York en 1981.

Saar estudió en Pasadena City College, Universidad de California, donde recibió una B.F.A. en 1949, así como Long Beach State College, Universidad del Sur de California, San Fernando State College, Valley State College, California, y el American Film Institute. Era maestra en residencia en State College de Hayward, California. Ha expuesto en todo Estados Unidos. En 1994, las obras de Saar se muestran con más de doscientos otros artistas en la Bienal de Brasil, una exposición de arte bianual con las obras de artistas de más de 71 países. Los trabajos notables incluyen: La visión de El Cremo; África; La vista desde la ventana de brujo; y Cámara de Gris Gris, Una instalación de técnica mixta creada con la hija Alison Saar.

SYNTHIA SAINT JAMES (1949-) Ilustrador, Autor

Santiago nació en 1949 en Los Ángeles, California. Ella es un ilustrador autodidacta y autor cuyo trabajo ha sido expuesto a nivel internacional en Estocolmo, Suecia, París, Francia, Seúl, Corea, Quebec, Canadá, Los Angeles, Nueva York y Salt Lake City, así como el Museo Nacional de Mujeres en el Arte, Washington DC.

coloridas imágenes figurativas de Saint James celebran la vida cotidiana y la cultura de los afroamericanos en sus pinturas. Las siluetas estilizadas toman forma mediante el uso de amplios barridos de color contrastante. Sus imágenes en las portadas de más de cincuenta libros, entre ellos los de Terry McMillan, Iyanla Vanzant, y Alice Walker. Decenas de empresas, organizaciones e individuos han encargado de Santiago para diseñar el trabajo de sus productos con licencia, evento y carteles conmemorativos. El Servicio Postal de los Estados Unidos, su encargado de crear el primer sello de Kwanzaa, disponible el 22 de octubre de 1997.

Santiago es un autor galardonado e ilustrador de libros para niños que incluye El regalo de Kwanzaa de y Domingo. Ella recibió un 1997 Coretta Scott King honor por sus ilustraciones en Neeny Coming. Neeny Going. octavo libro infantil de Santiago No hay espejos en mi casa de Nana (1998) fue escrito por Ysaye Barn-bueno, y su noveno libro chicas juntas (1999) fue escrito por Sherley Anne Williams.

AUGUSTA SAVAGE (1900-1962) Escultor

Un escultor líder que surgió durante el renacimiento de Harlem, Augusta Savage fue uno de los artistas representados en la primera exposición de color negro en los Estados Unidos, patrocinado por la Fundación Harmon en la Casa Internacional de la Ciudad de Nueva York. En 1939, su pieza grupo simbólica Cada levantar la voz y cantar se mostró en Artes Construcción de la Comunidad Feria Mundial de Nueva York.

Salvaje nació en Green Cove Springs, Florida, el 29 de febrero de 1900, y estudió en Tallahassee escuela normal del estado en la Cooper Union en Nueva York, así como en Francia como el destinatario de Carnegie y becas Rose-nwald. Ella fue la primera afroamericana en ganar aceptación en la Asociación Nacional de Pintores y Escultores.

En la década de 1930 dio clases en su propia Escuela de Artes y Oficios de Harlem y ayudó a muchos de sus estudiantes se aprovechan de los proyectos de administración del progreso de trabajos para los artistas durante la Depresión. Los trabajos notables incluyen: Cada levantar la voz y cantar; La persecución; Mujeres negras; Lenore; Gamín; Marcus Garvey; y WEB. Du Bois.

CHARLES SEARLES (1937-) Pintor, Educador

Nacido en Filadelfia, Pensilvania, en 1937, estudió en Searles Fleicher Memorial Art, y la Academia de Bellas Artes de Penn (1968 a 1972). Sus trabajos han sido expuestos en el Dallas, el Brooklyn, Filadelfia, Reading, alta, Milwaukee, Whitney, y Harlem Museos Studio; Universidad de Colombia; y muchos otros museos y galerías.

Searles ha viajado a Europa y África. Ha sido profesor en la Facultad de Arte de Filadelfia, las clases Filadelfia Museo Estudio, Universidad de las Artes, Escuela de Arte Museo de Brooklyn, New State College, y Bloomfield College de Nueva Jersey.

Él fue el encargado de ejecutar varios murales, incluyendo el interior de Administración de Servicios Generales EE.UU.; Celebracion (1976) para el edificio federal William J. Green; Play Time (1976) para el parque público Malory; Newark, escultura pared de la estación de Amtrak New Jersey (1985); y la escultura de pared Centro de Servicio Dempsey (1989).

Sus obras se encuentran en las colecciones del Smithsonian Institute, Washington, DC; Edificio de oficinas del Estado de Nueva York; Philadelphia Museum of Art; Administración Federal de Ferrocarriles; Ciba-Gigy, Inc .; Dallas Museum of Art; Montclair museo de arte; Phillip Morris, Inc .; y la Universidad de Howard.

La figura humana, el color y los patrones rítmicos dominan sus pinturas. Los trabajos notables incluyen: Mix Cultural; Formas rítmicas; Tiempo de reproducción; y Celebracion.

LORNA SIMPSON (1960-) El fotógrafo, artista conceptual

Simpson nació en Brooklyn, Nueva York, el 13 de agosto de 1960, y asistió a la Escuela de Artes Visuales, donde obtuvo su B.F.A. en 1982. Recibió su M.F.A. de la Universidad de California en San Diego, en 1985. Sus obras tienen que ver con el lenguaje y las palabras, especialmente los que tienen significados dobles y contradictorios, así como los estereotipos y clichés sobre el género y la raza.

Simpson es uno de los nuevos fotógrafos jóvenes que han irrumpido en la corriente principal del arte basado conceptual. Su obra ha sido expuesta en el Museo de Arte Moderno y el Wadsworth Atheneum. Ella está en la junta consultiva de la New Museum, Nueva York, y también en el tablero de Artistas espacio.

En 1990, Simpson se convirtió en la primera mujer afroamericana en su obra aparece en la Bienal de Venecia, una exposición de arte internacional. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones en todo Estados Unidos, Europa, América Latina y Japón. Varias instituciones han ofrecido exposiciones de su trabajo, entre ellos el Centro de Ansel Adams en San Francisco, el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York, y el Museo de Arte de Milwaukee. Sus trabajos también han sido expuestos en el Justo por encima de Mid-Town Gallery, Unión Mercer (Toronto), y la Galería de la matriz del Museo Wadsworth Atheneum. Los trabajos notables incluyen: Contorno; Condiciones vigilado; Quién fácil para que decir; Otra cara; Bio; Sin título ( “prefiera / rechazar / decidir”); y la composición multimedia interactiva Cinco habitaciones.

NORMA MERRICK Sklarek (1928) Arquitecto

Sklarek nació el 15 de abril de 1928 en la ciudad de Nueva York, y recibió una B. A. en la arquitectura de la Barnard

Colegio de la Universidad de Columbia en 1950. En 1954, se convirtió en la primera mujer afroamericana en obtener una licencia como arquitecto en los Estados Unidos. En 1966, Sklarek convirtió en la primera mujer afroamericana en ser nombrado miembro del Instituto Americano de Arquitectos.

La carrera de Sklarek comenzó en el Skidmore, Owens, Merrill, donde trabajó como arquitecto desde 1955 hasta 1960. También sirvió en la facultad de la Universidad de Nueva York desde 1957 hasta 1960. En 1960, ella tomó una posición con Gruen y Asociados en Los Ángeles, California, donde trabajó durante los próximos veinte años. También se desempeñó como miembro de la facultad de la UCLA desde 1972 hasta 1978. Sklarek se convirtió en vicepresidente de Welton Becket Associates en 1980 y trabajó allí hasta 1985. Desde 1985 hasta 1989, Sklarek era un socio de la firma Siegel, Sklarek, y Diamond, el la mayor firma arquitectónica propiedad de mujeres en los Estados Unidos. En 1989, comenzó a trabajar como director de Jerde Partnership antes de retirarse en 1992.

Entre las estructuras notables son diseñados por Sklarek la Embajada de EE.UU. en Tokio; Centro juzgado, Columbus, Indiana; City Hall, San Bernardino, California; y la Terminal Uno, el aeropuerto internacional de Los Ángeles.

MONETA aguanieve, JR. (1926-1996) Fotógrafo

Moneta Sleet nació el 14 de febrero de 1926, en Owens-boro, Kentucky. Estudió en la universidad del estado de Kentucky con el Dr. John Williams, un amigo de la familia, decano de la universidad, y un fotógrafo consumado. En 1947, recibió su B. A. de Kentucky State College. Obtuvo una maestría de la Universidad de Nueva York en 1950.

Aguanieve enseñó fotografía en Maryland State College desde 1948 hasta 1949. Se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1950 para trabajar como periodista deportivo para Amsterdam News. También trabajó como fotógrafo para Nuestro mundo desde 1951 hasta 1955. aguanieve se trasladó a Chicago y comenzó a trabajar con el Johnson Publishing Company, donde ha sido fotógrafo de Ébano y Chorro revistas desde 1955.

En 1969, Moneta Sleet se convirtió en el primer afroamericano en ganar un premio Pulitzer en fotografía. Aunque empleado por Ébano, era elegible para el premio porque su fotografía de Coretta Scott King en el funeral de su marido fue recogido por una agencia de noticias y publicada en los diarios de todo el país. También ha recibido premios de la Overseas Press Club de América, Liga Urbana Nacional, y la Asociación Nacional de Periodistas Negros. En 1989, la Universidad de Kentucky admitido Aguanieve en su periodismo salón de la fama de Kentucky.

Su trabajo ha aparecido en varias exposiciones colectivas en museos como el Museo Estudio en Harlem y el Museo Metropolitano de Arte. En 1970, se llevaron a cabo exposiciones individuales en el Museo de Arte de la ciudad de St. Louis y en la Biblioteca Pública de Detroit. Otras exposiciones individuales de trabajo de aguanieve se han celebrado en la Biblioteca Pública de Nueva York, Newark Public Library, Centro Cultural Biblioteca Pública de Chicago, la Biblioteca Pública de Milwaukee, Biblioteca Memorial Martin Luther King Jr., Albany Museum of Art, el Museo del Estado de Nueva York, y el Centro de Investigación en Schomberg Cultura Negro. Aguanieve es un miembro de la NAACP y la Academia Negro de las Artes y las Letras.

WILLI SMITH (1948-1987) Diseñador de moda

Nacido el 29 de febrero de 1948 en Filadelfia, Pensilvania, Willi Smith estudió en la Escuela de Diseño Parsons en una beca y se hizo popular durante la década de 1960. Era conocido por su ropa de diseño en fibras naturales, que eran cruzada de temporada y asequible. Sus ropas eran piezas de ropa deportiva que se mezclan fácilmente con Willi-desgaste de años anteriores, así como otras prendas de vestir. Smith fue innovador en mezclar y combinar cuadros, rayas y colores vivos. Él diseñó para los hombres y las mujeres. Smith tenía su ropa fabricados en la India, viajando allí varias veces al año para supervisar la realización de sus colecciones funcionales y prácticos.

En 1983 Willi Smith recibió el premio de la crítica estadounidense Moda Coty para la moda femenina. Murió en 1987.

NELSON STEVENS (1938-) Muralista, pintor, artista gráfico

Nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1938, Stevens recibió una B.F.A. de la Universidad de Ohio en 1962 y un M.F.A. de la Universidad Estatal de Kent en 1969.

Como miembro activo de Afri-COBRA-un grupo explorando la estética del arte afroamericano, que incluye el uso de la figura humana, colores brillantes, patrones inspirados africanos, texto, letras y otros símbolos relacionados con la experiencia afroamericana. Él es también un miembro de la Conferencia Nacional de Artistas.

Stevens es un profesor de arte en la Universidad de Massachusetts en Amherst, Massachusetts. Ha expuesto en el Centro Nacional de Afro-American Artists, Boston; El Studio Museum de Harlem; Howard University; Universidad Estatal de Kent. Los trabajos notables incluyen: Virgen con el Niño, para un calendario 1993; El arte al servicio del Señor; Malcolm-Rey de la Yihad; y Un tipo diferente de hombre.

HENRY OSSAWA TANNER (1859-1937) Pintor

Alain Locke llama Henry Ossawa Tanner el líder talento del “periodo oficial” del arte afroamericano. Nacido en Pittsburgh el 21 de junio de 1859, Tanner eligió la pintura más que el ministerio como una carrera, superando las objeciones de su padre, un obispo episcopal metodista africana. Después de asistir a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, fue profesor en la Universidad de Clark en Atlanta, mientras trabajaba como fotógrafo. Algunos de los trabajos más convincente de Tanner, tales como La lección del banjo (1890), fue producido durante este periodo en el que surgió como el más prometedor artista afroamericano de su época.

En 1891, abandonó Tanner tema negro y salió de los Estados Unidos para París, donde se concentró en temas religiosos. En 1896, su Daniel en el foso de los leones, una mezcla de realismo y simbolismo místico, ganó mención de honor en el Salón de París. Al año siguiente, el gobierno francés compró su Resurrección de Lázaro. En 1900, Tanner recibió la medalla de honor en la Exposición de París y el Premio Lippincott.

Tanner murió en 1937. Los trabajos notables incluyen: Huida a Egipto; La Anunciación; Pobre gracias; y Los fabricantes de Sabot.

ALMA W. THOMAS (1891-1978) Pintor

Nacido en Columbus, Georgia, en 1891, Alma Thomas se trasladó a Washington, DC, como un adolescente. Se inscribió en la Universidad de Howard y fue el primer graduado de su departamento de arte en 1924. En 1934 recibió su M. A. de la Universidad de Columbia y más tarde estudió en la American University.

Retirarse después de una carrera de enseñanza de treinta y ocho años en las escuelas públicas, Thomas concentra únicamente en su pintura. Ella es mejor conocida por su no objetivas, mosaicos similares que hacen hincapié en el color, el patrón y el espacio. Las relaciones ópticas de sus colores en formas planas crean formas tridimensionales, dando vida a las superficies pintadas con el movimiento y ritmos pulsantes. Este es el trabajo posterior que llevó a sus muchos premios y premios.

Sus obras se encuentran en las colecciones del Museo Nacional de Arte Americano del Instituto Smithsonian, la Universidad de Howard, Concord Galería, Museo Metropolitano, La Jolla Museo, y las empresas privadas. Los trabajos notables incluyen: El eclipse; Arboretum presentes blancos Cornejo; Campos Elíseos; Sunset Red; y Old Pond concierto.

BOB THOMPSON (1937-1966) Pintor

Nacido en Louisville, Kentucky, en 1937, Thompson estudió en la Escuela Museo de Boston en 1955 y más tarde pasó tres años en la Universidad de Louisville. En 1960,

Thompson participó en un espectáculo de dos personas en la Galería Zabriskie y dos años más tarde recibió una beca de John Hay Whitney. Para los próximos años, Thompson tuvo varias exposiciones individuales en Nueva York y Chicago. Su trabajo también se ha visto en España. Murió en Roma a la edad de veintinueve años.

El trabajo de Thompson se encuentra en varias colecciones permanentes de todo el país, incluyendo el Museo Chrysler en Provincetown, Massachusetts. En 1970, el trabajo de Thompson fue presentado en el Artista afroamericano exposición en el Museo de Boston de Bellas Artes. Los trabajos notables incluyen: Ascensión a los cielos; Díptico sin título; El dentista (1963); y La expulsión y el Nacimiento (1964).

JAMES VANDERZEE (1886-1983) Fotógrafo

James VanDerZee nació el 29 de junio de 1886, en Lenox, Massachusetts. Sus padres se habían mudado allí desde Nueva York a principios de 1880 después de servir como criada y el mayordomo a Ulysses S. Grant. El segundo de los seis hijos, James creció en una familia llena de gente creativa. Todo el mundo pintado, dibujó, o tocaba un instrumento, por lo que no se considera fuera de lo común cuando, al recibir una cámara en 1900, VanDerZee se interesó en la fotografía.

En 1906 VanDerZee se había trasladado a Nueva York, se casó y tuvo trabajos para sostener a su familia. En 1907, se trasladó a Phoetus, Virginia, donde trabajó en el comedor del hotel Chamberlin en Old Point Comfort, Virginia. Durante este tiempo también trabajó como fotógrafo en una base a tiempo parcial. En 1909, regresó a Nueva York.

En 1915, tuvo su primer VanDerZee fotografía trabajo como asistente en el Departamento de tienda Gertz en Newark, Nueva Jersey. Con el dinero que salvó de este trabajo, que fue capaz de abrir su propio estudio en 1916. A lo largo de medio siglo, James VanDerZee sería registrar la historia visual de Harlem. Sus temas fueron Marcus Garvey, dulce papá Gracia, Padre Divino, Joe Louis, Madame Walker, y muchos otros famosos afroamericanos.

En 1969, la exposición Harlem en mi mente producido por Thomas Hoving, entonces director del Museo Metropolitano de Arte, trajo el reconocimiento internacional James VanDerZee. Murió en 1983.

LAURA WHEELER WARING (1887-1948) Pintor

Nacido en 1887 en Hartford, Connecticut, Waring recibió su primera formación en la Academia de Pensilvania de Bellas Artes, donde estudió durante seis años. En 1914, ganó la Beca Memorial Cresson, que le permitió

continuar sus estudios en la Académie de la Grande Chaumière en París.

Waring regresó a los Estados Unidos como un instructor de arte en Cheyney State College maestros en Pennsylvania. Con el tiempo se convirtió en jefe del departamento de arte. Su trabajo, sobre todo retratos, ha sido expuesta en varias galerías de arte principales de América. En 1927, recibió el Premio de Harmon por logros en las artes plásticas. Con Betsy Graves Reyneau, Waring completó un conjunto de veinticuatro re-pinturas de una variedad de sus obras tituladas Retratos de estadounidenses pendientes de Origen Negro para la Fundación Harmon en la década de 1940.

Waring fue también el director a cargo de las exposiciones de arte afroamericano en la Exposición de Filadelfia en 1926 y fue miembro de la junta asesora nacional de los movimientos de arte, Inc. Ella murió en 1948. Los trabajos notables incluyen: Alonzo Aden; WEB. Du Bois; James; Weldon Johnson; y Madre e hija.

CARRIE MAE WEEMS (1953-) El fotógrafo, artista conceptual

Carrie Mae Weems nació en Portland, Oregon, en 1953. Recibió su B.F.A. del Instituto de Artes de California en 1981 y un M.F.A. de la Universidad de California en San Diego en 1984. También recibió un M. A. en el folklore afroamericano de la Universidad de California en Berkeley.

Un joven artista que explora los estereotipos, especialmente los de las mujeres afroamericanas, Weems ha sido ampliamente exhibido en los últimos años. Anteriormente una foto documentalista, Weems también enseña el cine y la fotografía en el Hampshire College en Amherst, Massachusetts. Sus nuevas obras son “sobre la raza, el género, la clase y familiares”.

Ha expuesto en la Escuela de Diseño de Rhode Island y Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut. Los trabajos notables incluyen: Espejo Espejo; Mujer negro con pollo; Chica de Yella; Personas de Color; Imágenes e historias familiares; y No se Jokin’.

EDWARD T. WELBURN (1950-) diseñador de automóviles

Edward T. Welburn es el jefe de diseño de automóviles para el Estudio Oldsmobile de General Motors. En 1992, su diseño para el Oldsmobile Achieva fue honrado como uno de los diseños más destacados del año modelo.

Welburn comenzó su carrera con el equipo de diseño de GM como diseñador creativo en 1972, avanzando a las posiciones de diseñador creativo senior y jefe de diseño asistente. Mientras que un miembro del personal de diseño de GM, que diseñó el Cutlass, Cutlass, y el Oldsmobile Calais. En 1989, se trasladó a la Oldsmobile Studio como jefe de diseño.

En 1985, el ritmo de coches de Indianapolis 500 fue diseñado por un equipo en el que sirvió Welburn. Fue nombrado Alumni del Año en 1989 por la Asociación de Estudiantes de la Universidad de Howard. Welburn ganó la Sociedad de Diseñadores Industriales de América del Premio al Buen Diseño por su participación en el diseño de Oldsmobile Aerotech en 1992.

Welburn es miembro de la cubierta y de la Sociedad de Fundadores del Instituto de Artes de Detroit.

JAMES LESESNE WELLS (1902-1993) Artista

Nacido el 2 de noviembre de 1902, en Atlanta, James Lesesne Wells fue un pionero del grabado moderna de Estados Unidos. Después de graduarse de la escuela secundaria, Wells vivía con sus familiares en la ciudad de Nueva York y trabajó durante dos años para ganar dinero para la universidad. Estudió dibujo en la Academia Nacional de Diseño para un período de 1918 a 1919. Wells pasó un año en la Universidad de Lincoln antes de ser transferido al Colegio de Profesores de la Universidad de Columbia en 1923 y ganó un B. S. en 1927. Recibió una M. S. de Columbia en 1938.

Inmediatamente después de obtener su título de grado, Wells creó ilustraciones impresión afroamericanos para revistas. También hizo conexiones con marchante y galerista J. D. Neumann, que incluyó el trabajo de Wells en una exposición de 1929 Los modernistas internacionales. Estos proyectos capturan la atención de la Universidad de Howard James V. Herring, quien invitó a los pozos para unirse a la facultad de arte de la prestigiosa escuela de ese año. Así comenzó una carrera de 39 años en la universidad, en la que Wells estableció un departamento de artes gráficas y enseñó varias pronto a ser conocidos artistas como Charles Alston y Jacob Lawrence. Wells enseñó modelado de arcilla, cerámica, escultura, metales, y la impresión de bloque.

Durante la Gran Depresión, Wells dedicó al grabado que implica la historia afroamericana y temas industriales. A pesar de la falta de reconocimiento de la crítica, la obra de Wells ganó numerosos concursos de arte a lo largo de la década de 1930, incluyendo el Premio George E. Haynes en 1933. En este momento, también se desempeñó como director de un taller de arte de verano que precedió al Centro de Arte Harlem Comunidad.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Wells pasó un año sabático trabajando en el famoso Atelier de Stanley Hayter 17, entonces el centro más innovador del aguafuerte y grabado en los Estados Unidos. Wells continuó enseñando y ganar premios por su obra en los años 1950 y 1960. Se trasladó al Washington, DC, y se unió a su hermano-en-ley Eugene Davidson, presidente de la NAACP locales, en las protestas de segregación. El acoso Wells sufrió como resultado de su franqueza, una cruz fue quemado en su patio en 1957, puede haber inspirado los temas religiosos de muchas de sus obras de la época. Él se llevó el primer premio en una exposición de arte religioso patrocinado por el Smithsonian en 1958.

Después de retirarse de Howard en 1968, Wells continuó pintando y hacer impresiones en la década de 1980. En 1980, entonces-U.S. presidente Jimmy Carter concedió Wells con una mención presidencial para las contribuciones de toda la vida al arte americano. Cuatro años después, Washington, DC, tenía un “James L. Día Wells.” Designado una “leyenda viva” por el Festival Nacional de las Artes Negro en 1991, la obra de Wells fue presentado en una exposición retrospectiva de la Fundación Harmon, que le había reconocido por su obra ya en 1916, cuando se hizo un primer premio en la pintura y el segundo premio en la carpintería. Murió de insuficiencia cardíaca congestiva a la edad de noventa años.

CHARLES WHITE (1918-1979) Pintor

White nació en 1918 en Chicago y fue influenciado cuando era un niño por la revisión crítica de Alain Locke del renacimiento de Harlem, El nuevo negro. A la edad de veintitrés años, White obtuvo una beca de Rosenwald que le permitió trabajar en el Sur durante dos años, tiempo durante el cual pintó un mural célebre que representa la contribución de las personas de raza negra a la democracia estadounidense. Ahora es propiedad del Instituto de Hampton en Virginia.

La mayor parte del trabajo de las blancas se hace en negro y blanco, un motivo simbólico que sintió le dio la mayor competencia posible. Los trabajos notables incluyen: Caminemos juntos; Frederick Douglass vidas de nuevo; Mujer; y Evangelio Singer.

PAUL REVERE WILLIAMS (1894-1980) Arquitecto

Williams nació en Los Ángeles, California, el 18 de febrero de 1894, y se graduó de la Universidad de California en Los Ángeles. Más tarde estudió en el Instituto de Bellas Artes de Diseño en París y recibió títulos honorarios de Howard, Lincoln, y Atlanta Universidades, así como el Instituto de Hampton.

Williams se convirtió en un arquitecto certificado en 1915. Después de trabajar durante Reginald Johnson y John Austin, abrió su propia firma en 1923. Williams ha diseñado unas cuatrocientas casas y un total de tres mil edificios, incluyendo casas de Cary Grant, Barbara Stanwyk, William Holden, Frank Sinatra, Betty Grable, Bill “Bojangles” Robinson, y Bert Lahr.

En 1926 fue el primer afroamericano en convertirse en un miembro del Instituto Americano de Arquitectos. Sirvió en la Comisión Nacional del monumento, una persona nombrada por el presidente Calvin Coolidge. Los trabajos notables incluyen: Aeropuerto del Condado de Los Ángeles; Club de Tenis Palm Springs; y Saks Fifth Avenue en Beverly Hills. Murió el 23 de enero., 1980

WILLIAM T. WILLIAMS (1942-) Pintor

William T. Williams nació en Cross Creek, Carolina del Norte, el 17 de julio de 1942. Recibió su B.F.A. del Instituto Pratt en 1966 y su M.F.A. de la Universidad de Yale en 1968.

En 1970, Williams enseña clases de pintura en el Pratt Institute y en la Escuela de Bellas Artes. Desde 1971, ha sido profesor de arte en la Universidad de la Ciudad de Nueva York, Brooklyn College. También se desempeñó como profesor visitante del arte en la Universidad de Virginia Commonwealth.

Williams ha sido el receptor de varios premios. En 1992, el Studio Museum en Harlem le hizo entrega de su Premio Anual por toda su carrera. También fue galardonado con la Beca de la Fundación del Atlántico en 1994.

Las exposiciones de la obra de Williams han sido presentados en, entre otros, el Studio Museum en Harlem, Wadsworth Atheneum, Instituto de Arte de Chicago, y el Museo Whitney de Arte Americano. Los trabajos notables incluyen: Elbert Jackson L.A.M.F. Puerto II; Big Red para N.C .; y Suero de la leche.

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JOHN WILSON (1922-) Pintor, grabador

Nacido en Boston el 14 de abril de 1922, John Wilson estudió en el Museo de Boston de Bellas Artes; Escuela Fernand Leger, París; El Instituto Politécnico, Ciudad de México; y en la Escuela de las Artes del Libro, la Ciudad de México. En 1947, Wilson recibió una B. A. de la Universidad de Tufts. Ha sido profesor en Boston Museo, Pratt Institute y la Universidad de Boston.

Sus numerosas exposiciones incluyen: el Instituto de Albany; la Biblioteca del Congreso Nacional (e internacional) de impresión de exposiciones (s); Smith College; Carnegie Institute; y la American International College, Springfield, Massachusetts. Su obra está representada en las colecciones del Museo de Arte Moderno; Colección Schomburg; Dirección General de Bellas Artes, Gobierno de Francia; Universidad de Atlanta; Bezalel y Museo, Jerusalén. Los trabajos notables incluyen: Roxbury del paisaje (Aceite, 1944); trabajador (Impresión, 1951); y Niño con el padre (Gráfico, 1969).

Wilson creó el Dr. Martin Luther King Jr. monumento en Buffalo, Nueva York, en 1983 y la estatua conmemorativa del Dr. Martin Luther King Jr. en el Capitolio de EE.UU. en Washington, DC. En 1987, se completó el monumento Presencia Eterna, que reside en el Museo del Centro Nacional de Afro-American Artists, Boston, Massachusetts.

HALE WOODRUFF (1900-1979) Pintor, muralista

Las pinturas de Hale Woodruff eran en su mayoría paisajes modernistas y abstracciones formales, sino que también ha pintado escenas rurales Georgia evocadora del país “barro rojo”. Nacido en El Cairo, Illinois, en 1900, se graduó en el Instituto de Arte John Herron en Indianápolis. Animados por un premio de bronce en la competencia 1926 de la Fundación Harmon, Woodruff fue a París para estudiar en la Academia tanto Scandinave y la Académie Moderne, así como con Henry Ossawa Tanner.

En 1931, se convirtió en instructor de arte en la Universidad de Atlanta y más tarde aceptó un puesto similar en la Universidad de Nueva York. En 1939, fue comisionado por el Colegio de Talladega Los murales Amistad, una representación episódica de una revuelta de esclavos.

RICHARD YARDE (1939-) Pintor

Richard Yarde nació en Boston, Massachusetts, el 29 de octubre de 1939. Estudió en la Escuela del Museo de Bellas Artes y en la Universidad de Boston, donde recibió una B.F.A. en 1962 y un M.F.A. en 1964. Ha sido profesor en la Universidad de Boston, Wellesley College, Universidad de Amherst, Massachusetts College of Art, Mount Holyoke College y la Universidad de Massachusetts.

Yarde ha recibido numerosos premios por su arte, incluyendo becas Yaddo en l964, l966, l970 y premios, McDowell colonia en l968 y l970, y el Premio Blanche E. Colman en l970.

El Museo de Boston de Bellas Artes, Wadsworth Atheneum, Rose Art Museum, Museo Nacional de Artistas afroamericanos, y el Studio Museum en Harlem han expuesto sus obras. Ha ocupado por una sola persona conciertos en numerosas galerías y universidades. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones, como el Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut. Los trabajos notables incluyen:

El Stoop; Pasaje Edgar y yo; La esquina; Paul Robeson como emperador Jones; Cabeza y manos que; Tríptico deflector de Josefina; y Tarjetas de Richard.

George Washington Carver Museo
1212 antiguo Montgomery Rd.
PO Cajón 10
Instituto Tuskegee, AL 36087-0010
(205) 727-3200
Fax: (205) 727-4597

CALIFORNIA

Africano Histórica Americana y la Sociedad Cultural
Fort Mason Center Bldg. C, No. 165
San Francisco, CA 94123
(415) 441-0640

-Afro Museo de California
exposition Park
600 Estado Dr.
Los Ángeles, CA 90037
(213) 744-7432
Fax: (213)744-2050
www.caam.ca.gob

DeYoung Museo
Golden Gate Park
San Francisco, CA 94118
(415) 863-3330
www.thinker.org/fam/

Crítica - Wikipedia

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Ebony Museo de Arte
30 Jack London Village, Stes. 208 y 209
Oakland, CA 94607
(510) 763-0745

Museo de Arte afroamericano
4005 S. Crenshaw Blvd. Fl tercero.
Los Ángeles, CA 90008
(323) 294-7071

Museo oeste americano negro y el Centro de Patrimonio
3091 California St.
Denver, CO 80207
(303) 292-2566
www.coax.net/people/lws/vawm.us.htm

CONNECTICUT

Colectivo de artistas, Inc.
35 Clark St.
Hartford, CT 06120
(860) 527-3205

Connecticut afroamericana Sociedad Histórica
444 Orchard St.
New Haven, CT 06511
(203) 776-4907

Afroamericana Sociedad Histórica de Delaware
512 E. 4th St.
Wilmington, DE 19801
(302) 571-9300

DISTRITO DE COLUMBIA

anacostia Museo
1901 Fort Pl. SE
Washington, DC 20020
(202) 287-3306
Fax: (202) 287-3183

Bethune Museum-Archives, Sociedad Histórica Nacional
1318 Vermont Ave. noroeste
Washington, DC 20005
(202) 332-1233
Fax: (202) 332-6319

Evans-Tibbs Colección
1910 Vermont Ave. noroeste
Washington, DC 20001
(202) 234-8164

Howard Galería de Arte de la Universidad
2455 6th St. NW
Washington, DC 20059
(202) 806-7070
Fax: (202) 806-6503

Signo del Taller Cultural Times y Galería, Inc.
605 NE 56th St.
Washington, DC 20019
(202) 399-3400
members@aol.com/signtimes

Instituto Smithsonian, el Museo Nacional de Arte Africano
950 Independence Ave. SO
Washington, DC 20560
(202) 357-4600
Fax: (202) 357-4879
www.si.edu/nmasa

Appleton Museum of Art / El Centro Cultural Appleton
4333 E. Silver Springs Blvd.
Ocala, FL 32670
(352) 236-7100
www.fsu.edu/

Negro Archivos de Investigación y Museo, Florida A & M University
c / o Florida A & M University
PO Box 809
Tallahassee, FL 32307
(850) 599-3020

Museo del Patrimonio Negro
PO Box 570327
Miami, FL 33257-0327
(305) 252-3535

Galería Antiqua
5138 Biscayne Blvd.
Miami, FL 33137
(305) 759-5355

Clark Atlanta University galerías de arte
223 James P. Brawley Dr. SW
Atlanta, GA 30314
(404) 880-6102
www.cau.edu/artgalleries

Hammonds House galerías
503 Peeples St. SW
Atlanta, GA 30310
(404) 752-8730

Herndon Home
587 Universidad Pl. noroeste
Atlanta, GA 30314
(404) 581-9813

High Museum of Art
1280 Peachtree St.
Atlanta, GA 30309
(404) 733-4422
www.high.org

Rey-Tisdell Cottage de Negro Museo de Historia
502 E. Harris St.
Savannah, GA 31401
(912) 234-8000

Martin Luther King Jr. Center, Programa de Asuntos Culturales
449 Auburn Ave. nordeste
Atlanta, GA 30312
(404) 524-1956

McIntosh Galería
Una Virginia Hill
587 Virginia Ave.
Atlanta, GA 30306
(404) 892-4023
www.artnet.com/mcintosh.html

Festival Nacional de las Artes Negro
236 Forsyth St. Ste. 405
Atlanta, GA 30303
(404) 730-7315

Tío Remus Museo
PO Box 184
Eatonton, GA 31024
(706) 485-6856

EE.UU. Servicio de Parques Nacionales, el sitio histórico Martin Luther King Jr. Nacional y el Distrito de Preservación
522 Auburn Ave. nordeste
Atlanta, GA 30312
(404) 331-5190

Afroamericana genealógica and Historical Society, Du Sable Museo de Historia Afroamericana
740 E. Pl 56a.
Chicago, IL 60637
(773) 947-0600
www.dusable.org

Art Institute of Chicago
111 S. Michigan Ave.
Chicago, IL 60603
(312) 357-1052
www.artic.edu/aic/

Indiana University Art Museum
1133 E. 7th St.
Bloomington, IN 47405-7309
(812) 855-5445
Fax: (812) 855-1023
www.indiana.edu/

Primero Negro Nacional de la Sociedad Histórica de Kansas
601 N. Agua
Wichita, KS 67201
(316) 262-7651

Artes Visuales africano-americanos
CORREOS. 31677 cuadro
Baltimore, MD 21207
(410) 664-1946
members.tripod.com/

Los artistas Alianza de afroamericanos
4936-3 Columbia Rd.
Columbia, MD 21044-2176
(410) 740-0033
Fax: (410)740-0223
www.artists4a.com

Museo Americano Negro de Baltimore
1765 Carswell St.
Baltimore, MD 21218
(410) 243-9600

Grandes negros en el Museo de Cera
1601-1603 E. North Ave.
Baltimore, MD 21213
(410) 563-3404
Fax: (410) 675-5040
www.gbiw.org

Maryland Museo de Arte Africano
5430 Vantage Point Rd.
Columbia, MD 21044-0105
(410) 730-7105
Fax: (410) 715-3047

MASSACHUSETTS

Los artistas Centro Nacional de afroamericanos
300 Nuez Ave.
Boston, MA 02119
(617) 442-8614

Wendell Street Gallery
17 Wendel St.
Cambridge, MA 02138
(617) 864-9294

Artes populares negros
425 W. Margaret
Detroit, MI 48203
(313) 865-4546

Museo Charles H. Wright de Historia Afroamericana
315 E. Warren Ave.
Detroit, MI 48201-1443
(313) 494-5800
www.maah-detroit.org

Instituto de Artes de Detroit
5205 Woodward Ave.
Detroit, MI 48202
(313) 833-7900
www.dia.org

GRAMO. N’Namdi Galería
161 Townsend
Birmingham, MI 48009
(313) 642-2700

Universidad de Michigan Museo de Arte
525 S. State St.
Ann Arbor, MI 48109
(734) 764-0395
www.umich.edu/

Su Heritage House
110 E. Ferry
Detroit, MI 48202
(313) 871-1667

Pillsbury House / Cultural Arts
3501 Chicago Ave. S.
Minneapolis, MN 55407
(612) 824-0708

MISISIPÍ

Robertson Smith Museo y Centro Cultural
PO Box 3259
Jackson, MS 39207
(601) 960-1457

Archivos negro de Mid-America
2033 Vine St.
Kansas City, MO 64108
(816) 483-1300
Fax: (816) 483-1341
www.blackarchives.org

Centro Cultural Vaughn
4321 Semple St.
Louis, MO 63120
(314) 381-5280

Gran Museo Negro Llanuras
2213 Lago St.
Omaha, NE 68110
(402) 345-2212

NEW JERSEY

Africanos Museos de arte de los Padres SMA
23 Dicha Ave.
Tenafly, NJ 07670
(201) 567-0450
www.smafathers.org

Museo de Newark
49 Washington St.
Newark, NJ 07101-0540
(973) 596-6550
Fax: (201) 642-0459

Afroamericana Cultura y las Artes Red
2090 Adam Clayton Powell, Jr. Blvd.
Nueva York, NY 10027
(212) 749-0827

African American Institute-Museo
380 Lexington Ave.
Nueva York, NY 10168
(212) 949-5666
Fax: (212) 682-6174

African American Museum del condado de Nassau
110 Franklin St.
Hempstead, NY 11550
(516) 572-0730

Bedford Stuyvesant-Centro de Restauración de Arte y Cultura
1368 Fulton, Ste. 4G
Brooklyn, NY 11216
(718) 636-6948

Fundación negro Cineasta
670 Broadway, Ste. 304
Nueva York, NY
(212) 253-1690
Fax: (212) 253-1689

La fotografía artística - Wikipedia

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Espectro Negro Teatro Co
Roy Wilkens Parque 119-07 Merrick Boulevard
Jamaica, NY 11434
(718) 723-1800
www.blackspectrum.com

Brooklyn Museum of Art
200 Eastern Parkway
Brooklyn, NY 11238-6052
(718) 638-5000
Fax: (718) 638-3731
www.brooklynart.org/

Cinque Galería
560 Broadway
Nueva York, NY 10012
(212) 966-3464

Comunidad Folk Art Gallery
2223 Genessee St.
Syracuse, NY 13210
(315) 424-8487

Grinnell Galería
800 Riverside Dr.
Nueva York, NY 10032
(212) 927-7941

Instituto de la Moda de Harlem
157 W. San 126º
Nueva York, NY 10027
(212) 666-1320

Harlem School of the Arts
645 Ave. San Nicolás
Nueva York, NY 10030
(212) 926-4100
www.erols.com/nsoa

Hatch-Billops Collection, Inc.
491 Broadway
Nueva York, NY 10012
(212) 966-3231

Agencia Internacional para la minoría Artistas Asuntos Inc.
163 W. calle 125
Nueva York, NY 10027
(212) 749-5298
www.harlem.cc

Museo de Arte Africano-americanos africanos y de antigüedades y
11 E. St. Utica
Buffalo, NY 14209
(716) 862-9260

Museum of Contemporary africanos de la diáspora Artes
80 Hanson Place
Brooklyn, NY 11217-1506
718-230-0492
http://www.mocada.org

Centro Schomburg para la Investigación de la Cultura Negro
515 Malcolm X Blvd.
Nueva York, NY 10037-1801
(212) 491-2200
www.nypl.org/research/sc/

Studio Museum en Harlem
144 W. calle 125
Nueva York, NY 10027
(212) 864-4500
Fax: (212) 666-5753
www.studentmuseuminharlem.ark

CAROLINA DEL NORTE

Afroamericana Atelier Centro Cultural Greensboro
200 N. Davie St.
Greensboro, NC 27401
(336) 333-6885

Afroamericana Centro Cultural
401 N. Meyers St.
Spirit Square
Charlotte, NC 28202
(704) 374-1565

Arte biggers venta Galería Viajar
1404 N. St. Oakwood
Gastonia, NC 28052
(704) 867-4525

Negro gremio de los artistas
400 N. Queen St.
CORREOS. Box 2162
Kinston, NC 28501
(252) 523-0003

Diggs galería de arte
Winston-Salem Universidad del Estado
601 Martin Luther King, Jr. Dr.
Winston-Salem, NC 27110
(336) 750-2458

Museo de la Universidad de Duke de Arte
PO Box 90732
Durham, NC 27708-0732
Fax: (919) 681-8624
www.duke.edu/web/dumal/

Estudio de Huff
2846 Patterson Ave.
Winston-Salem, NC 27105
(336) 724-7581

NCCU museo de arte
PO Box 19555
Durham, NC 27707
(919) 560-6211
Fax: (919) 560-5012

La galería de arte de la universidad de San Agustín
Departamento de Arte, Colegio de San Agustín
Raleigh, NC 27611
(919) 516-4026

Shaw Art University Center
Shaw Departamento Universitario de Arte
Raleigh, NC 27602
(919) 546-8420

Weatherspoon la galería de arte
Carolina del Norte Un and’t Universidad Estatal
CORREOS. 26170 cuadro
Greensboro, NC 27402-6170
(336) 334-5770

African American Museum
1765 Crawford Rd.
Cleveland, OH 44106
(216) 791-1700

Afroamericana Centro Cultural
Cleveland State University
Programa de Estudios negro
2121 Euclid Ave. UC 103
Cleveland, OH 44115
(216) 687-3655

Allen Memorial Art MuseumOberlin Colegio
Oberlin, OH 44074
(440) 775-8665
www.oberlin.edu/

Cincinnati Art Museum
953 Eden Park Dr.
Cincinnati, OH 45202-1596
(513) 721-5204
Fax: (513) 721-0129
www.cincinnatiartmuseum.org

Arte y Humanidades residente Consorcio
1515 Linn St.
Cincinnati, OH 45214
(513) 381-0645

Complejo Kirkpatrick Center Museum
2100 N. E. 52a
Oklahoma City, OK 73111
(405) 602-6664
www.omniplex.org

Asociación de Arte NTU
2100 N. E. 52a St.
Oklahoma City, OK 73111
(405) 424-1655

PENSILVANIA

Art Forum Cultural Africano
237 S. 60th St.
Philadelphia, PA 19139
(215) 476-0680

Consejo de Recursos Artes minoría
1421 W. Girard Ave.
Philadelphia, PA 19130
(215) 236-2688

RHODE ISLAND

Heritage Society Negro Rhode Island
202 Washington St.
Providence, RI 02905
(401) 751-3490

CAROLINA DEL SUR

Centro de Investigación de Avery para afroamericana Historia y Cultura
125 Bull St.
Universidad de Charleston
Charleston, SC 29424
(842) 953-7609
www.cofc.edu/

I.P. Stanback Museo y Planetario
Universidad del Estado de Carolina del Sur
300 Colegio St. NE
Orangeburg, SC 29117
(803) 536-7174

Mann-Simons Cottage: Museo de la Cultura afroamericana
1403 Richland St.
Columbia, SC 29201
(803) 252-1770

Museo del arroz
Intersección de frente y Screven Santos.
PO Box 902
Georgetown, SC 29442
(843) 546-7423
Fax: (843) 545-9093
www.thestrand.com/rice

Centro de Intercambio Cultural negro
1927 Dandridge Ave.
Knoxville, TN 37915
(423) 524-8461

Azules Centro Cultural Ciudad
39 Carnes Ave.
Memphis, TN 38114
(901) 327-7060

Carl Van Vechten Galería de Bellas Artes
Universidad de Fisk
Dr. D. B. Todd Blvd. y Jackson St.
N. Nashville, TN 37203
(615) 329-8720

Museo Chattanooga afroamericano
200 E. Martin Luther King, Jr. Blvd.
Chattanooga, TN 37203
(423) 267-1076

Memphis Alianza Artes Negro
985 S. Bellevue
Memphis, TN 38106
(901) 948-9522
www.webspawner.com/users/mbaa/

Instituto Universitario del Estado de Tennessee de Estudios Africanos
Universidad Estatal de Tennessee
PO Box 828
Nashville, TN 37209
(615) 963-5561

African American Museum
3536 de Grant Ave.
Dallas, TX 75315
(214) 565-9026
Fax: (214) 421-8204

Galería de Arte Negro
5408 Almeda Rd.
Houston, TX 77004
(713) 529-7900

Utah Museum of Fine Arts
370 Sur 1530 Oriente, Rm. 101
Salt Lake City, UT 84122
(801) 581-7332
Fax: (801) 585-5198
www.utah.edu/umfa

Centro de Recursos de Alejandría Negro Historia
220 N. Washington St. Alexandria, VA 22314
(703) 838-4356

Negro Museo Histórico y Centro Cultural
00 Clay St.
Richmond, VA 23220
(804) 780-9093
members.spree.com/education/bhmv/

DIN A4 Artistas / Obras |

2.bp.blogspot.com de crédito imagen.

Universidad MuseumHampton Universidad de Hampton
Hampton, VA 23668
(757) 727-5308
www.hamptonu.edu

Harrison Museo de la cultura afroamericana
523 Harrison Ave. noroeste
Roanoke, VA 24016
(540) 345-4818

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anfitrión sourse: www.encyclopedia.com

Como hacer una cartera de Universidad (fundación de arte y diseño de productos)


comentarios:

N / A: Respiración pesada en el omg filmación ……

súper unicornio: Respiración muy pesada

Tingu Loh: ¿Tiene algún consejo para una cartera que usted tiene que presentar en línea? Y es que hay una longitud específica que debe ser? :/ ¡Gracias!

Dajai Walker: Sólo wondering..Does el trabajo incluido en su cartera tiene por qué ser de la escuela / universidad o puede ser un trabajo personal hacer desde casa? Gracias

Rhian KrisOye, ¿Sabe si sería una pérdida de tiempo si lo hace un curso básico si ya hizo un curso de BTEC nivel 3 porque todavía no estoy seguro si ir a la universidad o no?

tirrell rose: Así im aplicación de una Licenciatura en diseño industrial que necesito mi cartera hecha a finales de este año lol

Funneh Bunneh: Como alguien que va a solicitar unicolor (diseño del producto) Estoy realmente sorprendido por su cartera y especialmente los prototipos que ha realizado. Sin embargo, también me está haciendo muy preocupados ya que no tiene ninguno de ellos (tengo varios dibujos / pinturas y fotografía). Y lo que me gustaría hacer son prototipos obligatorio para dicha cartera y tenían que tener ninguna experiencia previa de la escuela o qué Creó por completo por su cuenta?

Das Mohona: Quiero aplicar también. Pero yo quiero entrar en la arquitectura o artdesign. Para la arquitectura shpuld sólo sea sobre dibujos técnicos y de construcción o que puede incluir otras pinturas? Y para AD puedo dibujar lo que quiera? En caso de que mi cartera con dibujos a mano? O mi cartera debe hacerse en equipo? Si es así, no tengo ni idea sobre cómo dibujar cosas en el ordenador! Debo añadir imágenes a través de Internet y Photoshop en mi voluntad? ¿O tengo que crear photoes digitalmente y luego Photoshop ellos? Estoy muy perdido. ¡Por favor, ayúdame!

Dee KhawajaHey i aplicada al diseño gráfico y me pidieron una cartera y no estoy seguro de lo que debo hacer exactamente .. Yo sólo deben mostrar algunos dibujos o puedo tomar fotos y ponerlas en mi cartera .. Y tengo miedo que no será buena suficiente :/

Stephanie Carol: ¡Muchísimas gracias por este video! Soy un menor de edad Inglés Diseño mayor / Gráfico y estoy definitivamente pensando en hacer mis estudios de grado en diseño gráfico. Tengo que hacer una cartera pero no tenía ni idea de cómo y hasta ahora, ningún otro vídeo me ha dado claridad. ¡Muchas gracias! Usted es un artista increíble!

naomi Nimoh: Hola, preciosa video! La imposición de hacer un curso de diseño de interiores y espacial. ¿Qué clase de dibujos debería tener esto en mi cartera?

Ahmed Jassem: Perfecta en los aplausos de puntos …..

G Niño: ¿Usted hace el arte de la música porque yo quiero que diseñar mi mixtape

Shreyansh Diwakar: perdida de tiempo

Shreyansh Diwakar: perdida de tiempo

GoldiRock Records: Durante los primeros 90 segundos pensé que estaban bromeando con el tipo de actitud sombría y sin vida de un ‘Miércoles Adams …. y luego me quedé viendo …. esperando el remate …. y siguió hablando como esta….

cuervo Razor: …. respirar

Redheadedvegan M: Por favor, hablar y anunciar! ¡¡Gracias!!

angel reyesAmor de la respiración pesada ??????????

minna cho: ¿Es la bolsa tiene que ser un gran tamaño tal (A1) o no? Creo que es muy desperdicio de espacio? Además, no es fácil de transportar y guardar.

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